20.7.25

A Film a Week - Better Go Mad in the Wild / Radeji zešilet v divočine

 previously published on Cineuropa


How much should we hold on to what is perceived as “common knowledge”? When civilisation stops being a comfort and becomes a burden, or even an invader into our private lives? Do we have to follow the clichés, or we are allowed to make up our own rules in our own time and space? More specifically, regarding the latter, can we spend our whole life in only one place, without ever feeling the need to move somewhere and try different things?

Journalist, publicist and writer Aleš Palán asked those very questions in his book Better Go Mad in the Wild, which Slovak documentarian Miro Remo has now adapted for the big screen as Better Go Mad in the Wild. Like Remo’s previous work, the 2021 documentary At Full Throttle, this new genre-defying hybrid film has premiered at the Karlovy Vary IFF, in the Crystal Globe competition.

Twins František and Ondřej Klišík have never left their home in their Šumava region village, on the three-way border between the Czech Republic, Austria and Germany. They might have had their heyday during the 1989 Velvet Revolution, when they distributed leaflets against the communist regime and for which they have been decorated, but they did not build any sort of a career out of that success. Neither of them has ever married, as women had trouble adapting to the quirky dynamics between Franta and Ondra, as they call themselves. It also seems that they have never obtained, and even perhaps cannot obtain, a stable job.

Their long beards make them look like artistic types. Their “recreational drug-friendly” lifestyle (even their dog is named Joint) and their wild ideas also suggest as much. However, they have never reached fame and glory or even made something specific that could potentially outlive them. There are certain differences between them as well: František, who we learn lost his arm at a sawmill job, is more of a dreamer who thinks in rhyme but does not write his poems, and wants to construct a new flying perpetuum mobile machine without a blueprint, while Ondřej is more down to earth, but also has a strong appetite for alcohol, which is the subject of many of their quarrels.

We follow them through a series of vignettes over the course of four seasons in a year. During that period, we almost never see them away from their crumbling house and the farming compound surrounding it. František might have a habit of walking naked to the nearby forest, but we never see any of them doing so-called normal things, such as going to town to buy basic groceries, and neither does the filmmaker bother to insert some of the important biographical data about the brothers, which are almost regarded as pieces of public knowledge in the Czech Republic.

How much of the film is documentary or played for the camera's eye? Does it really matter? In any case, Miro Remo transposes us into the twins’ world through the observant cinematography by himself and Dušan Husár, while Šimon Hájek’s and Maté Csuport’s editing creates a certain rhythm in the protagonists’ lives. Theoretically, the classical-heavy soundtrack by Adam Matej should serve as the connection between the film's various passages, but ends up feeling slightly on the nose.

Better Go Mad in the Wild is the kind of a film that raises many more questions than it bothers answering, offering insight into a life that might seem unbelievable for many viewers. This kind of “anything goes” approach might appear mesmerising to some and frustrating to others, but it certainly makes for a unique film.

19.7.25

A Film a Week - Forbidden City / La citta proibita

 previously published on Asian Movie Pulse


Oh, the Italians… They take the genre or genres that are not native to their cinema, put a twist on it and – it somehow works! More than that, it sports its own style. They did it with spaghetti westerns and giallo pulp, so why they would not try the same thing with the Kung Fu flicks. Spaghetti or noodles, it is just a matter of taste, right? And, truth to be told, many “outsiders” tried their luck with Asian-style martial arts-powered action, from Gareth Evans to Timo Tjahjanto, and their efforts were far from embarrassing.

Enter the Italian actor and filmmaker Gabriele Mainetti who already flirted with the Asian-sourced sub-genres with his 2015 They Call Me Jeeg Robot and his vision of the “old-school-new-school” countdown between the mob dinosaurs and the triads newcomers on the streets of Rome. Forbidden City was released to selected theatres without a flashy festival premiere, but it was nevertheless selected for the Horizons section of Karlovy Vary International Film Festival.

The Fujian-based Xiao family has two daughters, thus violating the one-child policy in the late 20th century China. While the older sister Yun can live a life worth of a human being, the younger Mei has to remain hidden from the authorities. The only thing Mei is superior to her sister are the Kung Fu studies provided by their father. Nevertheless, the bond between the sisters is exceptionally strong: one would do everything for another.

Twenty or so years later, we see Mei (Liu Yaxi) in a dimly-lit basement “auditioning” for the position of a stripper in a clandestine establishment. But she has not fallen from grace, she is on the mission to find Yun and for that, she is ready to fight her way up the hierarchy. The first surprise comes just around the corner, after the first and the most majestic fight sequence: it turns out that the establishment with the restaurant as a front, with brothel in the back and a set of underground tunnels underneath is not somewhere in China, but in Rome and the title of the film comes from the name of the restaurant.

Acting on an info, Mei continues her rampage to an Italian restaurant which is just that – a restaurant and attacks its cook, the owner’s son Marcello (Enrico Borello). As it turns out, Yun (Ye Haijin), who worked as a prostitute ran away with the restaurateur Alberto (Luca Zingaretti) and that scandal could break a fragile peace between the oldschool mobster Annibale (Marco Giallini) and the triads lead by the ambitious Mr Wang (Chunyu Shanshan of Kung Fu Vampire fame). When the two lovers are eventually found dead, it seems that the gang war is imminent, while Mei must go down the road of vengeance. However, she starts developing feelings for Marcello.

Forbidden City works best in its furious first third where Mainetti and his co-writers Stefano Bises and Davide Serino establish the stakes in the conflict for each characters, but also set the stage for a fight sequence every now and then. On the purely directorial terms, the style Mainetti goes for is not strictly Asian, with a highlight on choreography shot in wide shots and meticulously edited, but more modern and usually employed in the contemporary American and European productions. That means shaky cam by the cinematographer Paolo Carnera and rapid editing done by Francesco Di Stefano. It serves the purpose nevertheless, due to the rich set designs by Andrea Castorina that highlight the difference between the “worlds”, but also to the athleticism and acrobatics of Liu Yaxi who started her movie career as a stunts performer in the live-action remake of Mulan (2020).

The fall is imminent in the middle section, and it is even more felt due to the change of genre setup. Forbidden City changes gears from the Kung Fu action to a gangster epic spiced up with a little romance. It holds up on its own terms, but the difference between the genres is simply too great for them to be possible to bridge in an elegant way. Mainetti would eventually stir the helm back to the starting point, genre-wise, and conjure the final battles in a satisfactory manners, but the bitter taste of the previous time-wasting cannot be rinsed that easily. One plot twist too many adding some more minutes to the eventual runtime of 138 minutes does not help much either.

However, it does not ruin the fun of watching this interesting, pulpy, but also quite stylish flick. Forbidden City is a rare “creature” on the festival circuit and, as such, it deserves the interest, the love and the applause more than it deserves harsh criticism. It is definitely something of a new and fresh mix, albeit it is not as profound and epic as its filmmaker would want it to be.


18.7.25

If I Had Legs I'd Kick You

 kritika objavljena u dodatku Objektiv dnevnog lista Pobjeda


Da se ne lažemo, roditeljstvo zna da bude pakao. Toliki pakao da poželite da nekoga ili nešto šutnete iz sve snage kao Roberto Karlos kad izvodi slobodni udarac sa trideset metara. Ili čak da šutnete same sebe iz tog i takvog života koji kao da se ruši oko vas i tako vam smanjuje manevarski prostor iz trenutka u trenutak.

Upravo to se dešava Lindi (Rouz Birn) u filmu If I Had Legs I‘d Kick You po scenariju i u režiji Meri Bronstin, inače primarno glumice. Nakon svetske premijere na Sandensu i evropske na Berlinalu, film otpočinje svoju ekstenzivnu festivalsku turneju, možda čak i sa nominacijama i nagradama u planu, na festivalu u Karlovim Varima. Ako pritom u obzir uzmemo i da je u pitanju produkcija prestižne produkcijske kuće A24, jasno nam je da ambicije tog tipa nisu neutemeljene.

Lindin život se raspada. Ona se skoro sama brine o svojoj kćeri (Dilejni Kvin) koja pati od ozbiljne, a nikada definisane bolesti. Kći je vezana na mašinu koja joj pomaže da se hrani, cilj je pridobivanje na težini kako bi mogla da pređe na neku lakšu terapiju. Do tada mora da dnevno posećuje centar za lečenje, gde doktorka Spring (igra je sama autorica) stvalja dodatni pritisak na Lindu da učini nešto kako bi se približile cilju.

Dok je Lindin muž Čarls (Kristijan Slejter) opravdano odsutan na poslu, te prisutan jedino preko telefona i pokazuje minimum razumevanja za njenu muku, Linda mora da navigira i svoj poslovni i privatni život. Ona je zaposlena kao terapeutkinja u centru za psihološku pomoć gde je pacijenti maltretiraju, u čemu prednjači poludela mlada majka Kerolajn (Daniela Mekdonald), a ni njen terapeut (Konan O‘Brajen) je ne razume, ne može ili ne želi da joj pomogne. Pritom, pošto im je pao plafon u kući, oni su se preselili u vašljivi motel gde Linda trpi muvanje od strane recepcionara Džejmija (reper Asap Roki).

Kada na to dodamo „sitna“ uznemiravanja i iživljavanja od strane čuvara parkinga ispred bolnice, gazde koji urednu naplaćuje kiriju i njegovih majstora koji zabušavaju, doktorke i njenog pasivno-agresivnog nastupa s pozicije moći, terapeuta i njegovog „šefoskog stava“, nadrndane zaposlenice u motelskoj prodavnici, kćeri koja ima detinje želje, pa čak i prolaznika, jasno nam je da je Linda pred pucanjem. Više nije pitanje hoće li, već kada će se to dogoditi i kakve će posledice ostaviti po nju i sve oko nje.

Naslova o hororu roditeljstva i zapostavljenim, samima sebi prepuštenim ženama i majkama nije manjkalo poslednjih godina. Meri Bronstin je toga svesna, pa kao da se poigrava s filmovima kao što su Nightbitch od kojeg preuzima iskliznuća u hororično i fantastično, ili Tully od kojeg preuzima atmosferu „moždane magle“ od koje pati verovatno svaki roditelj. Ipak, najjača referenca ne dolazi iz filmova o roditeljstvu, već iz trilera Uncut Gems. Odatle Bronstin preuzima osećaj anksioznosti i gotovo kockarske logike pokušaja vađenja iz „rupe“ koji rezultira kopanjem sve dublje. Razlika u odnosu na film braće Safdi je, pak, ta da Bronstin svoju priču iz matičnog registra crne „dramedije“ odvodi u pravcu punokrvnog, realistično strašnog i vidljivo groznog horora.

U tom smislu, treba pohvaliti autorku, kako za u dlaku precizan scenario, tako i za vrlo pametnu i promišljenu režiju. Pohvale zaslužuju i direktor fotografije Kristofer Mesina zbog precizne realizacije ideja Meri Bronstin u smislu postavljanja lica protagonistkinje u prvi plan skoro svakog kadra, kao i montažer Lušan Džonston zbog indukcije ritma ludila svojim perfektno tempiranim oštrim rezovima.

Opet, prvom planu su glumci, naročito Rouz Birn koja je s Lindom ostvarila ulogu svog života. Njoj ponajbolje parira Konan O‘Brajen, inače komičar i TV voditelj u retkoj dramskoj ulozi u kojoj kanališe pasivnu agresiju Kristofa Volca iz njegovih „tarantinovskih“ uloga. Meri Bronstin demonstrira svoju hrabrost još jednim postupkom – dodeljivanjem uloge antipatične doktorke samoj sebi.

Na kraju, If I Had Legs I‘d Kick You je film koji je intenzivan kao šut u stomak. Izrazito je neprijatan, ali to ne znači da je loš. Naprotiv, u pitanju je jedan od najboljih filmova ove godine do sada.


17.7.25

The Baltimorons

kritika objavljena u dodatku Objektiv dnevnog lista Pobjeda

Svi mi koji smo odrastali uz policijske slučajeve i egzistencijalne krize detektiva Pembltona, Bejlisa, Manča, Luisa, Kelermana i ostalih obavezno ćemo se raznežiti kada vidimo makar i jedan kadar Baltimora. Čak i kada se ne rešavaju ubistva kao u seriji Homicide: Life on the Street ili se ne nadmudruje s dilerima heroina kao u The Wire, osećamo da nadimak „Grad šarma“ nije Baltimoru nadenut bezveze.

Iako je leto, a mi smo na festivalu u Karlovim Varima, reditelj Džej Duplas i glumac-komičar Majkl Strasner nas vode na ulice Baltimora jedne badnje večeri. The Baltimorons, doduše, nema svetsku (to je obavio u Teksasu na SXSW festivalu uz trijumf), pa ni evropsku premijeru (to je obavio nekoliko dana ranije u Minhenu). Ali u filmu, naslovu uprkos, nema ničeg moronskog. Naprotiv, ima topline, iskrenosti i puno ljubavi za likove.

Sve počinje propalim pokušajem samoubistva. Debeljuškasti Klif (Strasner) pokušava da se obesi, ali kaiš kojim to čini puca. Šest meseci kasnije, on se „skinuo“ s alkohola, ali i sa komedije, budući da su te dve „scene“ u njegovom životu povezane i umalo su ga koštale istog. Sa svojom verenicom Britni (Olivija Lukardi), on odlazi na ručak kod njenih roditelja, ali na pragu njihove kuće doživljava komičnu nesreću kada se udari i razbije zub. Ma koliko neko bežao od komedije, ona će ga stići!

Kako uspeva da pronađe samo jednu zubarku koja može da ga primi na praznik, odlazi u ordinaciju kod Didi (Liz Larsen), ali mu za vreme zahvata praćenog „moronskim“ zgodama i nezgodama izazvanim njegovim strahovima od igala pauk odnese auto. Prevoza nema, taksisti su nabili cene, pa Didi, iako u startu defanzivna prema njemu (kao i prema svima ostalima), nudi da ga ona poveze do parkinga da pokupi auto.

Očekivano, ni to ne polazi po planu, ali ipak nekako uspevaju da „oposle“ stvar, pa on insistira da joj se oduži večerom u svom kraju. Avantura ih vodi dalje do kuće njenog bivšeg muža koji ju je ostavio zbog mlađe žene, na improv-komedijaški susret i na plovidbu morem u potrazi za svežim rakovima. Tokom tih avantura između njih se razvija romansa. Dok se Britni brine za Klifa i pokušava da ga zaštiti i kontroliše, on dobija važne životne lekcije o sigurnosti i samopoštovanju, a Didi uči kako da se (ponovo) opusti i čak pomalo i improvizuje u svom radoholičarskom životu.

Kao što smo nedavno utvrdili, prvo pravilo improvizacije glasi „da, i“, što znači da se na svaki izazov odgovara pozitivno i radi se dalje od toga. I sa Didinim uobičajenim tipom odgovora, „ne, ali“, može da se radi, premda onda izazov postaje još veći. The Baltimorons je pravi primer „da, i“ filma u kojem zapravo ne možemo da pretpostavimo kuda će nas radnja i likovi odvesti, pa smo zbog toga spremni da se zavalimo i uživamo u vožnji starim belim „kadilakom“ ili nešto novijim crnim „mercedesom“ koliko god da ona traje.

Nekoliko je razloga za to, a prvi od njih je apsolutna iskrenost. Naime, komičar Majkl Strasner je, barem on tako kaže, zaista pokušao samoubistvo nakon propalog „stend-ap“ nastupa, na osnovu čega je i izgradio lik Klifa sposobnog da pogleda duboko u sebe, ali i otkrije neke stvari o komediji koje zapravo nisu smešne.

Drugi razlog je iskreni ljudski interes, čak i ljubav za likove. To demonstriraju i reditelj Duplas i Strasner koji su zajedno napisali scenario, a to se dalje prenosi i na ostale glumce, pre svega na glumicu Liz Larsen, do sada uglavnom aktivnu u pozorištu i na televiziji, dok je na filmu igrala manje uloge, koja takođe svojoj Didi prilazi s ljubavlju i poštovanjem. Rezultat svega je erupcija hemije između nje i Strasnera.

Treći i možda najvažniji razlog je životna jednostavnost ideje: likovi samo idu, voze se i pričaju, a avanture im same nadolaze. Ali kada ih kreatori vole i znaju šta bi s njima (autorsko poreklo Džeja Duplasa u okvirima „mamblkor“ pokreta svakako pomaže), onda se ide dalje u dubinu nego u svim pretencioznim, nabeđeno-filozofskim pokušajima maskiranja banalnosti. The Baltimorons reže do kosti, nasmejava do suza i hvata suštinu ljudskosti.


13.7.25

A Film a Week - The Czech Film Project / Projekt Český film

 previously published on Cineuropa


What makes a Czech film appear, and be, unmistakably “Czech”? That question is at the very centre of Marek Novák’s and Mikuláš Novotný’s documentary The Czech Film Project, which has just premiered at the 59th Karlovy Vary International Film Festival, in the Special Screenings sidebar. This should not come as a surprise, since it was co-produced by KVIFF Events and was entirely filmed during the previous year’s edition of the largest film gathering in the Czech Republic.

The rules of the game are simple here. There is a room on one of the upper floors of the famous Thermal Hotel, which also serves as the festival centre. In this room, there’s a small table, a couple of armchairs, a plant, a lamp and a big window overlooking Karlovy Vary’s city centre. The weather outside and the guest, or the interviewee, in the room are the only things that change during the whole duration of the documentary. The camera remains in a fixed position, pointed in the same direction, shooting every subject and their answers to a survey about Czech cinema for roughly the same amount of time: each of the 30 or so interviewees hailing from the ranks of Czech or Czech-based filmmakers gets two-and-a-half to three minutes to state their observations and remarks.

Some of them check whether the camera is on properly. Some try to answer the question in a serious tone, while others keep the mood jovial and humorous, or even try to put on a show. For instance, Jan Vejnar appears with a crying baby in his arms, Petr Jákl sports a “last action hero” attitude, and Beata Parkanová sings her opinions. Cristina Groşan is the only one who provides a proper outsider’s insight, repeating the answers she usually gives to her Romanian friends when she gets asked about living and working in the Czech Republic.

The “consensus” is that the “proper” Czech or, rather, Czechoslovak films were made in the 1960s, like those of Ivan PasserJaroslav Papoušek and Miloš Forman, with The Firemen’s Ball (1968), which combined the efforts of all three of them, at the centre of the Czech film pantheon. Regarding modern cinema, some attribute the problem to the concept of “village cinema” (ie, movies with the plot set in a village milieu), some to humour being used to water down the drama, and others to the tendency to hold on to the so-called “Švejk” stereotype when picturing the Czech mentality. Some find the position between the West and the East both a blessing and a curse. Most of the interviewees agree that the lack of originality and the attempts to make carbon copies of the role models coming from different sources, be it Hollywood or the Romanian New Wave, make contemporary Czech films lack authenticity.

Heck, even the idea for this survey-type documentary is not actually original: Wim Wenders did a similar thing at the 1982 Cannes Film Festival when he brought the available filmmakers to his hotel room and asked them about the future of cinema, which resulted in Room 666 (1982). Novák and Novotný do not conceal the fact that they were inspired by Wenders’ effort, which is fair, and they don’t explain how they chose their interviewees, which is also legitimate.

However, it seems that The Czech Film Project is a type of a documentary that feels best suited for internal use by Czech film institutions and the country’s film scene, as its topic may fail to engage wider audiences. But its simple concept could also be repeated, copied and applied to other environments.

11.7.25

F1: The Movie

 kritika objavljena u dodatku Objektiv dnevnog lista Pobjeda


Život ponekad krajnje ironično imitira film. Tako smo nedavno dobili pomalo ispravljenu verziju misije iz filma Top Gun: Maverick kada su američki bombarderi B-2 s velike visine pogodili iranska nuklearna postrojenja. Ispravka propagande junačenja od strane reditelja Džozefa Kosinskog i producenta Džerija Brukhajmera se sastojala u tome da za vratolomnim junačenjem poput niskog uletanja u klance nije bilo potrebe kada je tehnologija već toliko superiorna da se sve može odraditi s bezbedne distance.

Kosinski i Brukhajmer su se opet okupili, ovog puta da nam „objasne“ i izreklamiraju Formuli 1. Sa sobom su skupili još i Breda Pita kao glavnog glumca i producenta, i Luisa Hemiltona kao producenta i kameo-glumca. Otkupljena su prava na logo i grafike, a cilj je svakako bio napraviti ultimativni ili makar žestoko promotivni film o Formuli 1. F1: The Movie pretenduje na to, ali koliko tako nešto zapravo može ostvriti imajući u vidu da Kosinski, Brukhajmer i Pit o Formuli imaju pojma otprilike koliko i Hamilton o filmu.

Konkurencija za „ultimativni F1 film“ je ipak žestoka jer nema Formula 1 status „kraljice“ moto-sportova bezveze. Istina, Moto GP je dinamičniji, Nascar je incidentniji, Gran Turismo adrenalinskiji, Indy „trkačkiji“, WRC zahteva oštrije vozačke, a trke izdržljivosti poput Le Mana, Dajtone i sličnih istesanije psiho-fizičke veštine. Opet, Formula 1 je najglamuroznija i takva je bila od svog uspostavljanja 1950. godine.

Svoj“ prvi film dobila je u „rodnoj“ Italiji već 1951. Bila je to melodrama The Last Meeting Đanija Franćolinija. Svoj obol je dao i majstor jeftinog spektakla Rodžer Korman s filmom The Young Racers (1963), ali je zapravo prvi „ozbiljan“ film o Formuli 1 režirao Džon Frankenhajmer. Grand Prix (1966) bio je sportska drama stare škole koja je imala solidan, ali ne i fenomenalan uspeh i kod publike i po pitanju nagrada.

U međuvremenu se Formula 1 razvijala u više pravaca i prolazila kroz više faza, filmska umetnost to uglavnom nije pratila, osim u italijanskoj B-produkciji i kroz dokumentarce. A onda se pojavio Rush (Ron Hauard, 2013) koji je rekreirao stvarnu priču o rivalstvu Džejmsa Hanta i Nikija Laude u sezoni 1976, i to kao adrenalinom nabijen akcioni spektakl. Ako postoji igrani film koji je uhvatio suštinu Formule 1 i njenog evropskog glamura, onda je to upravo bio taj.

Istini za volju, oko „cirkusa“ Formule 1 se u nekom periodu 90-ih motao i Silvester Stalone u želji da svoju glumačku karijeru od uloga u akcionim filmovima skrene malo prema ozbiljnijem registru sportskih drama. Čini se da produkcija nije uspela da otkupi prava, pa je milje prebačen u Indy Car, i na kraju smo dobili popriličan „treš“ Driven (Reni Harlin, 2001) u kojem je Stalone odigrao trkačku varijaciju na temu Mikija Goldmila, a Kip Pardju varijantu mladog Rokija Balboe u filmu koji se može opisati kao kombinacija neuverljive melodrame i prvog Rocky-filma, samo na točkovima.

Ponešto od tog „DNK“ se može trasirati i u F1. Naš protagonista Soni Hejs (Pit), doduše, nije bivši šampion, nego bivši „talenat“ koji se trkao sa Senom, Prostom, Menselom i Šumaherom, ali je propustio svoje šanse zbog „lude glave“. Od tada se uglavnom kockao, ženio i razvodio, trkajući se u različitim serijama i pobeđujući po jednu trku pre nego što pređe na novi izazov. Nakon što sa svojim timom, ali zapravo isključivo zahvaljujući sebi i svojim riskantnim manevrima pobedi u Dajtoni, Sonija pronalazi bivši timski kolega iz Formule, Ruben Servantes (Havijer Bardem) i daje mu ponudu koja se ne odbija.

Ruben je sada, naime, vlasnik tima Apeks koji u dve i po godine nije osvojio niti jedan bod u trkama. Upravni odbor predvođen ljigavim Piterom Beningom (Tobijas Menzies) mu duva za vratom preteći da će tim prodati, prvi vozač mu ja dao otkaz, pa je ostao samo na novajliji Džošui Pirsu (Demson Idris) koji ima talenta, ali ne i iskustva. Usput, čini se da sa strogom majkom (Sara Najls) i menadžerom (Samson Kejo) on više razmišlja o javnoj pojavi i novom ugovoru nego o ispunjavanju postojećeg. Sa Sonijem u kokpitu, momak se možda može nečemu i naučiti. Usput, ni bolid ne valja jer tehnička direktorka Kejt MekKena (Keri Kondon) više brine za bezbednost nego za trkanje, a i sportski direktor Kaspar Smolinski (Kim Bodina) koji se hvali konstruktorskim titulama za Ferari je tamo bio samo mehaničar na zadnjoj dizalici.

Situacija je, dakle, očajna, a ni Soni nije baš naročiti timski igrač, već je pre nadobudni vođa ekipe koji za tako nešto nema ingerencije. Doduše, ima ideje i načina da ih ostvari kroz rizične i čak prljave manevre na stazi kojima zbunjuje konkurenciju. Takođe, bacio je oko na Kejt, što sve zajedno zvuči kao recept za katastrofu. Hoće li naši simpatični luzeri pronaći put iskupljenja i konačno ostvariti kakav-takav uspeh?

F1 stilski uspeva da „skine“ izgled prenosa trke u sekvencama na stazi i pored nje, za šta pre svega treba zahvaliti direktoru fotografije Klaudiju Mirandi i montažeru Stivenu Mirioneu. Obojica su već sarađivali s Kosinskim, rediteljem čija karijera uključuje i reklame i video-spotove, ali i ekstremno skupe filmske spektakle. Miranda i Mirione znaju šta se od njih traži i to isporučuju: Miranda se oslanja na širokougaone objektive koji mute konture na rubovima kadra čime se sugeriše ekstremna brzina, dok Mirione sasvim zgodno ubacuje brze rezove na reakcije inženjera i vodećih ljudi tima u garažama i pit-lajnu.

Van staze, stvar filmski funkcioniše zbog jasno profilisanih likova i glumaca koji ih igraju. Pitu odlično stoji lik vagabunde i šereta poput Sonija, dok Idris igra varijaciju na temu Luisa Hemiltona s početka karijere, dakle nadobudnog „tokeničnog“ junoše koji bi rado bio i šampion i mega-zvezda. Hemilton će, doduše, imati i kameo-pojavljivanje samog sebe pri kraju filma kako upućuje oštar i prekoran pogled našim anti-junacima. Havijer Bardem glumata tačno onoliko koliko je to potrebno da bi dočarao lik ocvalog plejboja, Kim Bodina ubira humorne poene na nedostatku smisla za humor svog lika, Menzies uverljivo igra ljigavca, dok Keri Kondon unosi pregršt emocija kao Kejt koja nije samo inteligentna, nego je i topla ispod hladne, liderske fasade. Prava snaga glume se, međutim, vidi u sinergiji, pre svega Pita kao neupitnog protagoniste s ostalima, naročito s Bardemom i Kondon, gde se on prilagođava njima barem koliko i oni njemu.

Međutim, ni jaka gluma, ni snimanje s kamerom montiranom na vrh bolida, ni uverljivi efekti udesa i posledica po isti, a ni frljanje s imenima bivših i sadašnjih vozača i tehničkim pojmovima, ne mogu da sakriju koliko priča zapravo nema smisla i koliko je nemoguća i u sadašnjim, a i u nekim prošlim vremenima Formule 1. Naprosto, u pitanju je vrlo tehnički i tehnološki napredan i precizan sport koji je, usput, i biznis koji se indeksira u desetinama i stotinama miliona, ako ne i u milijardama, pa tamo „druge šanse“ za likove poput Sonija nisu realne, a verovatno ni moguće. Kako novac i inžinjerski „fajn-tjuning“ igraju presudnu ulogu u Formuli, malo toga zapravo zavisi od vozača, pa će trkačko umeće ili taktičko dovijanje rezultirati možda s par bodova, ali ne i sa pobedama. Uostalom, setimo se tih nekih pravih autsajdera, tih Minardija, Fors Indija, Maruša i sličnih: oni su učestvovali, možda ponekad otkrivali perspektivne vozače, ali ti bi vozači prelazili u jače timove već sledeće sezone.

Možda je štos u tome što Amerikanci koji su radili ovaj film zapravo ne kapiraju i nikada nisu kapirali Formulu 1. Koreni auto-sporta u Evropi i Americi su drugačiji, u Evropi je to uvek bila aristokratska zabava, u Americi su prvi trkači bili šverceri alkohola za vreme prohibicije iz čega je kasnije nastao Nascar, a za njima su došli pronalazači iz ličnih garaža, odakle poreklo vode pravolinijske „dreg“ trke i napadi na svetske rekorde u brzinama na zemlji. Amerikanci su, doduše, imali dva šampiona, Fila Hila i Marija Andretija, ali su razni drugi ipak ostavili veći trag u sportu.

Možda je i štos u tome da izmišljene priče nikada ne mogu biti toliko snažne i arhetipske kao one koje su se zapravo dogodile. A njih u Formuli 1 nije manjkalo, naročito onih o rivalstvima i tragedijama. O mentorstvima i iskupljenjima ipak nešto manje. Ali, koji je smisao rekreirati Rush i samo ga prebaciti u vreme, na primer, Sene i Prosta, Šumahera i Hila, Hemiltona i Alonsa?

A možda autorski tima iza F1 samo osluškuju puls toga kuda bi Formula 1 htela da ide u budućnosti i kuda ide u sadašnjosti. Jer, možemo se s nostalgijom prisećati zlatnih dana Monte Karla, Monce, Silverstona ili Hokenhajma ili tinejdžerskih ekskurzija makar do Hungaroringa, ali trendovi sadašnjosti favorizuju Singapur, Las Vegas, Abu Dabi ili Baku. F1 ih dosta verno hvata, svidelo se to nama ili ne.


10.7.25

Echo Valley

 kritika objavljena u dodatku Objektiv dnevnog lista Pobjeda


Je li Džulijen Mur možda u nekoj „post-oskarovskoj“ krizi pa izgleda da ne bira uloge, već prihvata sve što joj se ponudi, samo da ostane na ekranu? Reklo bi se da nije, jer njena filmografija posle Oskara za Still Alice nije siromašna ni brojem, ni kvalitetom naslova. Bilo je tu, doduše, i slabijih filmova (iskreno, ni Still Alice nije neka naročita sreća), ali je makar glumica bila konzistentno dobra u svojim ulogama.

To je slučaj i sa trilerom Echo Valley Majkla Pirsa koji nam je nedavno sleteo na striming. Pirs je, pak, stekao reputaciju problematičnog talenta sa svojim prvencem Beast (2021) za koji nismo mogli da se odlučimo je li u pitanju pametna dekonstrukcija nekoliko pod-žanrova trilera ili Pirs nije znao gde udara, pa se šlepovao na fantastično raspoložene glumce Džesi Bakli i Džona Flina. Njegov sledeći SF triler Encounter (2021) dobacivao je tek do prolazne ocene relativne „sigurice“ za Amazon.

Ako se Džulijen Mur zeznula pristavši na ulogu u Echo Valley, u tome nije jedina, imajući u vidu glumačku postavu. Sidni Svini ima status zvezde u usponu, Domnal Glison želi da nastavi stazama svog oca Brendana, a u epizodama imamo veličine kao što su Kajl Meklahlan u svom elementu i Fiona Šo. Ali, kao što smo se već naučili s Beast, džabe jaki glumci ako priča iskoči iz šina ili nikada nije ni bilo planirano da se po njima kreće.

Nakon nepotrebnih dvadesetak minuta u kojima saznajemo da je Kejt (Mur) u žalosti za svojom partnerkom, u finansijskim problemima oko ranča čije je ime i naslov filma, toliko da od bivšeg muža Ričarda (Meklahlan) mora da pozajmljuje novac da ne bi morala da ga proda, a ima i problematičan odnos sa kćerkom Kler (Svini) koja je narkomanka, Kler se u krvavoj odeći pojavljuje na njenom kućnom pragu sva krvava. Kaže da je u svađi ubila svog dečka Rajana (Edmund Donovan) i moli majku za pomoć, ali da ne zove policiju. Kao pobornik doktrine bezuslovne ljubavi roditelja prema detetu, ona preuzima na sebe da se reši leša, što i čini potapajući ga u lokalnom jezeru. Pored toga, poslednjim novcem koji joj je ostao ona plaća Klerin i Rajanov dug prema njihovom dileru Džekiju (Glison).

Kada, međutim, Kler po svom „dobrom“ običaju ponovo nestane, Kejt kreće u potragu za njom koristeći digitalni trag koji je kći ostavila. Nalazi je u Rajanovoj kući, uz iznenađenje (SPOJLERČINA!) da je Rajan živ, pa je ona sahranila telo nekog drugog. Dvoje mladih beži glavom bez obzira uz malo borbe, a Kejt uskoro prima posetu od Džekija koji je namirisao novac i želi još...

Sa Beast smo već posumnjali da Pirsa manje zanima pričanje priče, a više navođenje gledalaca na krivi trag. U tom smislu, veliki preokret na sredini filma je efektan i intrigantan (koga je ona to, dovraga, sahranila i čiji je plan to izvorno bio?), ali i on ima svoj rok trajanja koji nije baš dug. Rezultat toga je inflacija preokreta i zbunjivanja protivnika dalje u filmu. Istini za volju, Pirs nije pisao scenario (to je učinio Bred Ingelsbi koji ima i nešto solidnih, nešto interesantnih i nešto tezgaroških filmova iza sebe), ali mogao da ga pročita, otkrije nedostatke i ispravi ih.

Nedostatak elementarne logike je tu ipak manji problem u odnosu na onaj kardinalni. Naime, osim nepotrebne ekspozicije koja gledaocima „crta“ ono što bi moglo da se elegantno ubaci kasnije u filmu, film se gubi u nekoliko pod-zapleta kojima je jedina funkcija da objasne pozadinu likova koju smo već mogli da shvatimo i prihvatimo. Taj višak je, dakle, završio u filmu, a delovi koji bi mogli potkrepiti silne preokrete ili ih makar premostiti – nisu. Svaka čast Fioni Šo, ali njen lik je sveden na prijateljicu koja pruža podršku i dolazi da pomogne, i svaka čast Kajlu Meklahlanu koji reciklira tip zajebanog razvedenog muža za koji se specijalizovao u „ženskim“ serijama od Sex and the City do Desperate Housewifes, ali ništa od toga nije bilo esencijalno za zaplet. Od Echo Valley je tako mogla da se složi mini-serija gde bi pod-zapleti prodisali, ili, pak, koncentrovani ruralni triler.

Džulijen Mur se sa svoje strane trudi i drži nam pažnju čak i kada se čini belodano jasnim da je film rađen za poslovični „drugi ekran“, Sidni Svini je imala i boljih uloga recentno, a deglamurizacija nije sinonim za dobru glumu, dok Domnal Glison na momente previše šmira za dobro uverljivosti svoje uloge. Echo Valley, doduše, izgleda dobro zahvaljujući evokativnoj fotografiji Bendžamina Kračuna. Opet, ostaje konačni utisak da se ovde radi o izuzetno traljavom, na momente pritom i nebuloznom filmu.