5.7.24

The Bikeriders

 kritika objavljena u dodatku Objektiv dnevnog lista Pobjeda


Kada je 2016. godine Donald Tramp izabran za predsednika Sjedinjenih Američkih Država, što je bio događaj koji iznegirao ne samo predizborne ankete, već i kompletan američki narativ, jedno od objašnjenja za taj fenomen ponuđen je u jednoj knjizi objavljenoj gotovo 50 godina ranije. Knjiga se zove Hell‘s Angels: A Strange and Terrible Saga, a njen autor – Hanter S. Tomson, osnivač gonzo-novinarstva i čovek koji je shvatio da je uranjanje u određenu temu bez fokusa na faktualnost ponajbolji način da se ispita određeni fenomen i uhvati duh vremena.

Teza koju je Tomson postavio, a koja je fino sela tumačima američke politike i duha vremena 2016. godine bila je ta da su, ranije kalifornijski kriminogeni motoristi, a kasnije likovi iz MAGA-pokreta, zapravo nesnađeni i zastareli ljudi koji se nisu integrisali u društvo koje ih je iz sličnih razloga odbacilo, pa zato žele, ako već ne mogu da ga unište, makar da „nestanu s praskom“. Zajedničko im može lumpen-proletersko poreklo, ratne traume, nedostatak obrazovanja kao najšireg generatora socijalne mobilnosti, kao i sklonost ka provociranju i šokiranju onih „normalnih“ i snađenih svojom simbolikom i delima. Tomson je za finale sage izabrao odabrao odluku Hell‘s Angelsa da se dobrovoljno stave na raspolaganje predsedniku Lindonu Džonsonu za rat u Vijetnamu, ali nije mogao da predvidi budućnost u kojoj ne samo da banda na motorima nije nestala s praskom, nego nije otišla nigde, zapravo postala je još jedna od izvoznih franšiza.

Jedna, ali ne i jedina, budući da su Angelsima glavna konkurencija bili „odmetnici“, Outlaws, čija je priča započela u Čikagu. Njih je, pak, u svojoj foto-knjizi iz 1967. godine The Bikeriders portretirao Deni Lajon, jedan od pionira novog realizma u fotografiji, tada već poznat po svom dokumentovanju borbe za građanska prava.

Legenda kaže da su se Lajon i Tomson jednom sastali da razgovaraju o svojim projektima. Tomson mu je dao savet da se ne učlanjuje u klub, da se sa članovima asocira onoliko koliko je to neophodno za posao i da uvek ima kacigu na glavi. Lajon je, pak, uradio sve suprotno: bio je aktivni član kluba četiri godine i retko kada je nosio kacigu.

Njegova foto-knjiga je sada dobila tretman od strane Džefa Nikolsa, još jednog od autora bez lošeg filma u karijeri, čoveka koji nam je podario izuzetne naslove kao što su Shotgun Stories, Take Shelter, Mud, Midnight Special i nešto slabiji Loving. Film je, nakon komplikovane produkcije u kojoj je zamenjen čak i glavni studio, te festivalske turneje uglavnom po Americi, uz izlete u Veliku Britaniju i Australiju, sada u globalnoj bioskopskoj distribuciji.

Uvodna scena slika je i prilika svega onog što u filmu valja: maksimalističkog retro-stila u kojem se pazi kako na ugođaj i periodne detalje zanata, stila i rekvizite. Mladić Beni (Ostin Batler) u teksas-prsluku s prišivačima preko kožne jakne sedi za šankom i pije viski u slabo osvetljenom baru, sve dok mu s leđa ne priđu dvojica rmpalija koji od njega zahtevaju da skine jaknu ili da ode. Beni to odbija, lakonski im objašnjavajući da bi za tako nešto morali da ga ubiju, pa izbija tuča koja se seli na ulicu. Beni vadi nož iz čizme i uspeva da poreže jednog po licu, dok mu drugi prilazi s leđa s lopatom koja se u zamrznutom kadru zaustavlja iznad Benijevog potiljka.

Nikols onda uspostavlja narativni okvir dva vremenski odvojena intervjua u kojima uvodi likove Denija Lajona (Majk Fejst) kao novinara-istraživača s foto-aparatom i masivnim, ali ipak prenosivim diktafonom, i Kejti (Džodi Komer) kao njegove ispitanice i naše tačke gledišta. Prvi intervju iz 1965. godine započinje u perionici veša gde Kejti visi s ostalim ženama bajkera i priča svoju priču kako je upoznala Benija u baru kada je jedne noći otišla da svojoj prijateljici pozajmi neke pare. Obučena „normalno“ u bele farmerke i jednostavnu majicu na bretele, ona je, čim je ušla u klub, privukla pažnju raspojasanih motorista i nju je uhvatio strah. Onda je ugledala lepuškastog Benija za bilijarskim stolom, a predsednik kluba Džoni (Tom Hardi) joj je garantovao bezbednost, pa je sve odjednom bilo skoro u redu. U odlasku je sela na Benijev motor i osetila žmarce, Beni je probdeo noć pred njenom kućom u radničkom predgrađu, sutradan joj je oterao dečka i pokucao na vrata. Venčali su se nedugo zatim...

Ostatak tog intervjua koji se seli u kuću bavi se ranim danima kluba naziva promenjenog u The Vandals, legendama o njegovom nastanku, osebujnim članovima i njihovim aktivnostima. Klub je započeo kao trkački klub, a Džoni ga je, navodno inspirisan filmom The Wild One i ulogom Marlona Branda u njemu, pretvorio u bajkerski. Njegov zamenik Brusi (Dejmon Herimen) figurirao je kao dobri duh kluba, Kal (Bojd Holbruk) kao mehaničar, Bubašvaba (Emori Koen) kao komična maskota, a letonski imigrant Zipko (Majkl Šenon, prisutan u svim Nikolsovim filmovima) kao svojevrsni ideolog zavisti prema obrazovanoj buržoaziji. Beni je, pak, upao u kliše s jedne strane Džonijevog „posinka“ i planiranog naslednika, a s druge idola i primera za ugled sa svojim stavom da ga nije briga ni za šta.

Drugi deo intervjua smešten u 1973. godinu bavi se „padom“ kluba od okupljališta za autsajdere do kriminalnog sindikata unutar kojeg se dešavaju unutrašnja previranja i ratovi s drugim rivalskim bandama. Unutrašnja previranja su zapravo sukobi između starih članova koji piju pivo na piknicima i novih, došlih što iz rata, što sa opasnih ulica, koji preferiraju drogu. Neimenovani klinac (Tobi Volas) tu se može pokazati kao posebno opasan i nepredvidljiv fakotr...

The Bikeriders je najlakše opisati kao varijaciju na temu Skorsezeovih gangsterskih drama o usponu i padu, najviše na Goodfellas, ali ispričanu iz perspektive protagonistine supruge Karen. Sličnost pristupa mlađeg reditelja s onim starijeg, pa čak i nekakav omaž, ogleda se i u pristupu „saundtreku“ kojim dominiraju pop i rok iz 60-ih, te nešto tvrđi zvuk iz post-hipijevskih 70-ih. Iako naracije ima dosta, ona je funkcionalna u uspostavljanju likova i njihovih odnosa, a Nikols se najbolje pokazuje na nivou pojedinačnih scena i sekvenci u kojima kroz vizuelno pripovedanje dočarava klupske rituale. To ne sme da čudi, budući da je izvorni materijal foto-knjiga s mnoštvom impozantnih vizuala. U tom smislu, fotografija Adama Stouna, uvek perfektno osvetljena, prava je poslastica, a Nikolsovo kadriranje primer detaljno promišljene režije.

Nominalni adut filma je njegova glumačka postava. Lakši posao tu imaju epizodisti koji imaju po najviše nekoliko momenata da zabriljiraju, što i čine. Među njima se ističu Majkl Šenon, što smo i mogli nekako da očekujemo, znajući njegovu plodnu saradnju s Nikolsom, ali i Norman Ridus (najpoznatiji iz serije The Walking Dead) sa svojom impozantnom „bajkerskom“ pojavom. Međutim, kada dođe do većih uloga, tu se već možemo naći u problemu. Majk Fejst je uglavnom osuđen na pasivnost novinara koji mora da pušta svoje sagovornike da govore. Od Toma Hardija i Ostina Batlera Nikols uglavnom traži imitacije starijih, kultnih glumaca, u slučaju Hardija to je idealno odmereno loša imitacija Marlona Branda, dok je Batler zadužen da dobro imitira Džejmsa Dina na taj način pokušavajući da kanališe duh vremena i izgubljenosti u njemu. U retkim trenucima, pak, glumci dobijaju priliku da pokažu jake, ali utišane emocije svojih likova i to im polazi za rukom. I od Džodi Kormer se uglavnom traži imitacija, doduše javnosti nepoznate osobe, što ona, sudeći po svedočanstvima onih koji su imali priliku da preslušaju Lajonove trake, radi fantastično. Problem je, međutim, sama koncepcija njenog lika koji, nakon emocijama nabijenog uvoda, tone u praznjikavost jalovih pokušaja da „promeni“ i „spasi“ Benija.

To nas dovodi i do glavnih nedostataka i razloga zašto je The Bikeriders samo solidan film, ali ne više od toga. Ovako „destilovana“ priča deluje generički, a Nikols odbija da je produbi tako što bi joj učitao dublji socijalni i politički kontekst, što on, sudeći po ranijim radovima, ume i može. Ovde su se elementi toga već sami nametali, od rata u Vijetnamu do poplave droge i procvata kriminala, pa i određene „političke ekonomije“ svega toga, ali Nikols kao da je hteo nešto drugo. Razlog tome može biti nepoznavanje ili nedostatak iskrenog interesa za bajkersku kulturu, pa je konačni rezultat moralno ambivalentna polu-nostalgična „amerikanska“ priča o gubitku nevinosti i svetu kojeg više nema, a pitanje je da li je ikada i postojao.


4.7.24

The Soul Eater / Le mangeur d'âmes

 kritika objavljena u dodatku Objektiv dnevnog lista Pobjeda


Drugi film, osvajač nagrade publike na Grosmanu, pak, dolazi iz ponajveće evropske kinematografije u kojoj ni žanrovski pristup nije nikakva egzotika. Doduše, autori filma The Soul Eater, Žilijen Mori i Aleksandar Bustiljo poznatiji su po radu u ekstremnijim žanrovima, kako u domovini (gde su bili i ostali jedni od češće citiranih autora Novog francuskog ekstremizma), tako i u Americi, gde su snimili „prikvel“ Leatherface.

The Soul Eater je ipak triler, i to od „proceduralne“ sorte, iako u sebi poseduje elemente gadosti i prepada karakteristične za horor-opus autorskog dvojca. U planinski gradić na istoku Francuske dolazi žandarmerijski inspektor Frank de Rolan (Pol Ami) da istraži slučajeve nestanaka i verovatnih pogibija dece. Uporedo s njegovim dolaskom, u gradiću počinju da se dešavaju brutalna i neobjašnjiva ubistva određenih meštana, što istražuje lokalna inspektorka Elizabet Gvardijano (Viržini Ledojen), dok vesti poručuju i o padu sportskog aviona na neprijaveljnom putovanju usled loših vremenskih uslova. Oboje istražitelja imaju svojih problema o kojima baš i ne govore, ali se udružuju kako bi razrešili slučajeve koji mogu biti povezani. Usput će otkriti veliku i mračnu tajnu malog i zabitog grada...

Trilera ovog tipa zaista ne manjka u francuskoj kinematografiji, a Morijev i Bustiljov uradak svakako ne spada među najkompleksnije u smislu zapleta. To, međutim, nije nedostatak, budući da autore ne opterećuje s otplitanjem onoga što je tim scenarista koji je adaptirao izvorni roman zapleo. Ostavlja im, međutim, prostora da se poigravaju sa skretanjem atmosfere prema mračnijoj i hororičnijoj, što smo od njih mogli i da očekujemo, ali i za rad s glumcima u kreiranju specifične dinamike delimičnog poverenja i saradnje koja je više proizvod nužde nego želje. Konačni rezultat je dobar film koji čak nije ni „gađao“ neku izuzetnost.


3.7.24

The Last Ashes / Läif a Séil

 kritika objavljena u dodatku Objektiv dnevnog lista Pobjeda


Luksemburg do nedavno nije imao skoro nikakvu kinematografiju, ali stvari se brzo menjaju u maloj i bogatoj zapadnoevropskoj državi, za šta treba zahvaliti pre svega agilnom i darežljivom nacionalnom filmskom fondu. Prvo su se pojavile evropske koprodukcije s luksemburškim učešćem, onda je Luksemburžanka Viki Krips postala na evropskom i na svetskom nivou prepoznata filmska zvezda, pa na kraju imamo i većinske luksemburške produkcije, i to ne samo nezahtevne drame, već i punokrvne žanrovske filmove. Interesantno, The Last Ashes nije prvi luksemburški film prikazan na Grosmanu, prošle godine imali smo prilike da pogledamo vukodlačku fantastičnu dramu Wolfkin.

The Last Ashes u režiji Loika Tansona žanrovski možemo opisati kao spoj vesterna, kostimiranog trilera intrige, kao i trilera osvete čija je radnja smeštena u izolovano selo na severu zemlje u XIX veku. Iako se okolni svet rapidno menja, selo živi na starinski način koji diktira splet feudalizma, brutalnog tradicionalizma i instrumentalizovane religije. Vladalac Graf (Žil Verner) kome je to možda prezime, možda titula, a možda i oba, praktikuje „danak u krvi“ kao shemu kojom će obezbediti kontinuitet loze otimajući od kmetova devojčice i devojke za neveste svojim sinovima. I prema sinovima i prema po-kćerkama, budućim nevestama, je brutalan. Kada se mala Helene pobuni protiv takvog tretmana kojem je izložena pridošlica Mari, biće kažnjena izgnanstvom i pokušajem ubistva. Godinama kasnije, Helene (Sofi Musel) vraća se kao Una, sposobna radnica i ratnica. Nju ne prepoznaju, što joj pomaže da izvede osvetu Grafu, njegovim sinovima i pobočnicima, dok se selu približava spoljašnji svet u vidu novoformirane centralne države i železnice.

Tanson uzima preko potrebno vreme da ispriča svoju kompleksnu priču sa izuzetnim osećajem za detalje perioda, kao i za filmski stil. Kraća ekspozicija snimljena je crno-belo i u uskom formatu slike, dok je ostatak filma sa širom slikom i u punom koloru. Svojim kadrovima Tanson često citira druge autore (Serđo Leone i Elem Klimov su tu neke od referenci), pa film deluje atraktivno, iako u pričanju priče zna ponekad da na trenutak ispusti konce, pre nego što ih ponovo uhvati, pa na kraju možemo zaključiti da prošlogodišnji luksemburški kandidat za Oskara (i osvajač posebnog priznanja žirija na Grosmanu) dobar, iako ne i odličan film.


30.6.24

Lista - Jun 2024.

 


Ukupno pogledano: 27 (24 dugometražna, 3 kratkometražna)
Prvi put pogledano: 27 (24 dugometražna, 3 kratkometražna)
Najbolji utisak (prvi put pogledano): Hit Man (dugometražni) / Like a Sick Yellow (kratkometražni)
Najlošiji utisak: The Pit / Jama


*ponovno gledanje
**kratkometražni
***srednjemetražni
**(*)kratkometražni, ponovno gledanje

kritike objavljene na webu su aktivni linkovi

datum izvor English Title / Originalni naslov (Reditelj, godina) - ocena/10

02.06. video The Long Game (Julio Quintana, 2023) - 5/10
03.06. video Asphalt City (Jean-Stéphane Sauvaire, 2023) - 5/10
**05.06. kino The Man Who Could Not Remain Silent / Čovjek koji mogao šutjeti (Nebojša Slijepčević, 2024) - 9/10
05.06. festival Warm Film / Topli film (Dragan Jovićević, 2024) - 8/10
06.06. kino Hit Man (Richard Linklater, 2023) - 10/10
**06.06. festival Like a Sick Yellow (Norika Sefa, 2024) - 10/10
**06.06. festival Exit Through the Cuckoo's Nest / Izlaz kroz ludaru (Nikola Ilić, 2024) - 8/10
09.06. kino The Garfield Movie (Mark Dindal, 2024) - 6/10
12.06. festival The Pit / Jama (Dejan Babosek, 2024) - 3/10
12.06. festival Bitten / La morsure (Romain de Saint-Blanquart, 2023) - 6/10
13.06. festival Soundtrack to a Coup d'Etat (Johan Grimonprez, 2024) - 7/10
13.06. festival Through the Graves the Wind Is Blowing (Travis Wilkerson, 2024) - 6/10
13.06. festival The Well (Federico Zampaglione, 2023) - 4/10
14.06. festival You're Not Me / Tú no eres yo (Marisa Crespo, Moisés Romera, 2023) - 6/10
15.06. festival The Wait / La espera (F. Javier Gutiérrez, 2023) - 5/10
18.06. festival It Was a Beautiful Day / Pa tako lep dan je bil (Perica Rai, 2024) - 6/10
20.06. festival Goodlands / Ova dobra zemlja (Vladimir Perović, 2024) - 6/10
20.06. festival In a Violent Nature (Chris Nash, 2024) - 7/10
20.06. festival Don't Lose Your Head! / Migawari Mission (Hayato Kawai, 2024) - 4/10
23.06. festival Everyday of the Dead / Mainichi ga Z nichi - evuridei obu za deddo (Yuyama Naoki, 2023) - 4/10
25.06. festival The Funeral / Cenaze (Orcun Behram, 2023) - 6/10
26.06. festival Dastur (Kuanysh Beisekov, 2023) - 6/10
27.06. kino The Bikeriders (Jeff Nichols, 2023) - 6/10
27.06. festival The Last Ashes / Läif a Séil (Loic Tanson, 2023) - 7/10
27.06. festival The Soul Eater / Le mangeur d'âmes (Julien Maury, Alexandre Bustillo, 2023) - 7/10
30.06. festival Panopticon (George Sikharulidze, 2024) - 5/10
30.06. festival Our Lovely Pig Slaughter / Mord (Adam Martinec, 2024) - 6/10

A Film a Week - Everyday of the Dead / Mainichi ga Z nichi - evuridei ebu za deddo

 previously published on Asian Movie Pulse


Back in 1968, George A. Romero could not have known what would happen some 55 years later. His The Night of the Living Dead was so influential that it not just invented the zombie lore, but it also serves as an inspiration for every dude who would like to pretend to be a filmmaker. Romero used it to make a social commentary, but rules of the game have changed since. Now a pretend filmmaker has just to envision a generic zombie movie, film it with some minimal budget and proficiency and add “of the dead” to the title. The examples are numerous and of such is Everyday of the Dead written and directed by Yuyama Naoki that enjoys its international premiere at Japan Film Fest Hamburg.

The premise is that a zombie apocalypse ensued after an accident in a nuclear power plant. After an intro consisting of faked TV news and scientific shows, the action continues in four loosely connected chapters, covering one day each and each with “of the dead” phrase in the titles. Each on its own and all of them together remain “faithful” to the film’s title and its premise to depict the “everyday” life during the apocalypse…

Yuyama Naoki comes from the gaming industry background although he graduated at Nikkatsu Film Academy. Currently, he works as a teacher in the industry with a reputation of an “all-rounder of science fiction and horror movies”, while his filmmaking work consists mainly of commercial videos.

Everyday of the Dead is a genuine trash movie, and the “trash” part does not necessarily refers to its overall quality, but it has more to do with the stylistic choices. It was made on a modest budget, which can be observed in almost every artistic, craft and technical aspect of the film. Its plot and sub-plots are quite basic, the directing is functional to propel the story and the editing is focused more on covering the budgetary issues while welding one frame to another in a single scene, than on converging the whole thing into something more substantial than a series of shorts with some interludes in-between them. The acting is appropriately naive, phony and “trashy”, and so are the visual and the special effects. Funny thing is that the very interludes consisting of “fake television” elements are the most polished ones in the film, since they are largely faithful to the “originals”.

Luckily, Everyday of the Dead is quite merciful regarding its runtime, clocking only 68 minutes, so it does not take too much toll on the viewers. However, it is a very specific film suitable for the “trash style” enthusiasts only.


29.6.24

A Film a Week - Don't Lose Your Head / Migawari Mission

 previously published on Asian Movie Pulse


Imagine an intrigue thriller mated with a forged identity comedy set in early 1700s Edo. Hayato Kawai’s “Don’t Lose Your Head” (formerly known as “Migawari Mission”) fits that description perfectly by its story. The story itself might be enough to secure it some festival exposure either at genre festival circuit in East Asia or at international festivals specialised in Asian cinema, such as Toronto Japanese Film Festival, but positive reviews should not be taken for granted.

Takaaki Kira (Tsuyoshi Muro) did not have any luck in life. Born as a nobleman’s youngest son, he did not inherit anything, so he wanders the world begging for money and food, while his older brother Kozukenosuke (played by the same actor) enjoys all the privilege with little responsibility. When Kozukenosuke oversteps every boundary and insults a rival clan leader Lord Asano (Ukon Onoe), he attacks and mortally wounds him. Disgraced for drawing a sword at the Edo imperial court, Asano quickly commits suicide.

That puts both of the quarrelled clans in danger of being disbanded for breaking the strict rules and codes of conduct. If Kozukenosuke dies of a wound on his back he has gotten while running away from the fight, the Kira clan will be disbanded. The same destiny awaits the Asano clan if the remaining members do not avenge their deceased master by killing the Kira clan leaders and warriors. A smart vassal Kunai Saito (Kento Hayashi) suggests that Takaaki could impersonate his brother for a period of time. Takaaki’s new position becomes permanent once Kozukenosuke dies, but it is not all fun, games and debauchery that awaits him. Guided by the advises of Saito and lady-in-waiting Kikyo (Haruna Kawaguchi), he tries to become a good leader, but with the ongoing war, will he succeed?

Don’t Lose Your Head!” is an adaptation of Akihiro Dobashi’s novel done by the author himself, which is rarely a good idea, having in mind the differences in the form of the novel and the movie script. The tonal changes we could barely register in the novel become striking in the film, which puts both the director Hayao Kawai and the cast under pressure to try to “iron” them flat.

The beginning of the film is especially problematic in that regard: the use of the narrator and the constant titling of a dozen of persons of interest from the court, the domains and the clans suggest seriousness, while the actors play their characters in a silly, vaudeville manner in order to stretch the poorly conceived overlong scenes based on cheap slapstick humour. Complete with the generic-sounding music by Shogo Kaida and equally phony sound design, it seems that the “serial” director of the repertoire films and TV series Kawai has lost the grip over the material, or that he never had any attention to hold control in whatever way. He even manages to defuse the potential of Eita Nagayama (of Hirokazu Koreeda’s “Monster” fame) playing one of the supporting roles.

The things get better in the second, more serious half. Not only the actors start to play their characters more like human beings, and less like cardboard cut-outs, but the characters also get the same treatment from the director. The music and the sound design quiet down, and let the cinematographer Shinya Kimura’s camerawork shine and expose actually quite decent production values that are faithful to the period details. However, it makes the film even more uneven regarding its rhythm and, in two hours of runtime, quite a demanding watch, especially given that the first half hour presents more than a challenge to the viewer’s patience.


28.6.24

In a Violent Nature

 kritika objavljena u dodatku Objektiv dnevnog lista Pobjeda


Oko dugometražnog prvenca Krisa Neša In a Violent Nature se podigla prašina odmah posle premijere u noćnom programu ovogodišnjeg Sandensa. Pričalo se o njegovoj krvavosti i revolucionarnosti, o ubistvima koja su brutalna čak i za standarde najkrvavijih slešera i o unikatnoj autorskoj viziji. S tom reputacijom došao je i u američke bioskope krajem prošlog meseca i na Grosmanov festival fantastičnog filma i vina koji se svake godine održava u slovenačkom gradiću Ljutomeru. U pitanju je svakako film fore ili više njih, ali je li to dovoljno da In a Violent Nature bude fora film.

Centralna fora oko koje je film konstruisan zapravo je toliko jednostavna da nam dođe da se zapitamo kako se niko pre Neša, majstora specijalnih efekata i povremenog autora uglavnom u kratkom metru, niko nije setio, iako su mnogi verovatno postavili isto pitanje kao i on. Pitanje glasi: Kakav bi bio osećaj da gledamo slešer, ali ne iz perspektive tinejdžera koji će (većinom) biti pobijeni, već iz perspektive mahnitog ubice. Glavna referenca ovde je serijal Friday the 13th i njegov neumrli zlikovac Džejson Vurhes, ali se u Nešovom postupku mogu iščitati i neke druge, za horor kao žanr i slešer kao pod-žanr prilično neočekivane.

Neš film otvara jednim od mnogih subjektivnih kadrova, možda i najapstraktnijim u celom filmu. U njemu vidimo prozorski ram bez stakla sa kojeg, kasnije ćemo obratiti pažnju na to, visi zlatni medaljon. Grupu kampera još ne vidimo, ali zato čujemo njihov opušteni razgovor koji će se u jednom trenutku povesti oko medaljona i toga je li dobra ideja dirati ga. Naše predznanje nam govori da u filmu ovog žanra to nikada nije slučaj, baš kao što nije dobra ideja ni odbiti da ti čudni lik ispriča strašnu i potencijalnu poučnu priču zašto je to tako. Naši vrli kamperi tu čine obe greške: jedan od njih uzima medaljon za poklon svojoj devojci koja je tu s njima na kampovanju, ali je nema u dotičnoj kadar-sceni.

Već u sledećoj vidimo nekakvu cevku u zemlji ispred napuštene, delimično razrušene kolibe. Cevka i zemlja počinju da se mrdaju, polako, pa sve brže, i odatle izlazi grmalj koji bez reči (neće progovoriti do kraja filma, a nećemo mu ni lice videti jasno) odlazi u šumu. Ispada, po svoje prvo ubistvo koje, doduše, nema veze s kamperima koji su poremetili njegov mir: žrtva je lokalni seljak i krivolovac kojeg je šerifov zamenik upozorio da batali postavljanje zamki u šumi.

Posle tog prvog i diskretnog ubistva (zbog kojeg ćemo se upitati čemu toliki „hajp“), u savršeno izvedenoj žanr-sceni oko logorske vatre snimljenoj u jednom rotirajućem kadru, saznaćemo „ruralnu legendu“ o grmaljevom poreklu. On je Džoni (Raj Beret), šumarev mentalno hendikepirani sin kojeg su drvoseče namamile da ga preplaše, pa su ga nesrećnim slučajem i ubile. Kada je otac krenuo da istražuje slučaj, i njega su dokrajčili i složili priču o samoubistvu. Ubrzo nakon toga, svi su pronađeni mrtvi, njih nekoliko desetina, a pričalo se da ih je ubio Džonijev duh. Malom Džoniju je, pak, dok je bio živ, bilo stalo samo do igračaka i jednog pozlaćenog medaljona kao jedine uspomene na majku...

Ono što sledi je masakr nad kamperima koji ginu kao na pokretnoj traci. Prvi gine čudak sa horor-pričom tako što mu Džoni savije testeru oko vrata. Jedna od devojaka gine u vodi kada se Džoni već opremio kukama, sekirom i starom vatrogasnom maskom. Druga gine na brutalan način koji ne bi bilo lepo otkrivati. Neko će dobiti sekiru, a neko stenčugu u glavu. A neko upada i u mašinu za obradu drveta...

Sve to, dakle, gledamo što iz bliskog trećeg (kao, recimo, u filmovima braće Darden), što iz prvog lica, tako da nas sve pomalo podseća i na video-igricu, ne samo po tretmanu žrtava i našeg antagoniste, već i po tretmanu filmskog vremena. Neš, naime, vreme popunjava praznim hodom, ali onim usmerenim, baš kao u igricama gde taj detalj često previđamo. Uz apsolutno odsustvo muzike koju nadomešćuje sjajan dizajn zvuka, te mahom uverljive praktične specijalne efekte, konačan utisak je mešavina nespojivih stvari kao što su Friday the 13th, Hardcore Henry Ilje Najšulera i – slow cinema na tragu Bele Tara.

Pitanje je samo koliko to sve zajedno funkcioniše, budući da Neš dosta arbitrarno krši pravila koja je sam uspostavio. Čak i ako mu oprostimu logorsku vatru i kamperske priče gde se fokus s negativca pomera na žrtve zbog kvaliteta izvedbe cele scene, isto ipak ne možemo uraditi s finalnom sekvencom koja zauzima poslednjih 20-ak minuta filma i ne služi ničemu osim da uvede kameo Lorin-Mari Tejlor kao jednu verovatno parodičnu referencu.

I u tome je problem s forama. Neke jednostavno ne prolaze...