3.7.23

Megalomaniac

 kritika objavljena na XXZ



2022

scenario i režija: Karim Ouelhaj

uloge: Eline Schumacher, Benjamin Ramon, Helene Moor, Wim Wilaert, Raphaele Bruneau, Pierre Nisse, Olivier Picard, Quentin Lasbazeilles


Za razliku od prestonice Brisela iz kojeg su uglavnom dolazile vesti političke prirode vezane za aktivnosti EU i NATO saveza ili za česte padove vlada i dugih perioda dok bi se koalicija ponovo složila, iz ostatka Belgije su tokom poslednje decenije prošlog i prve ovog veka stizale vesti o krajnje izvitoperenim zločinima i njihovim izvršiocima, pedofilima, serijskim ubicama i manijacima raznih fela. Jedan od poznatijih je bio i nikad otkriveni „kasapin iz Monsa“ koji je ubijao žene različitih godina koje bi po pravilu živele usamljeničkim životom, pa bi nakon čina njihova tela raskomadao i ostavljao u vrećama pored puta. Njega nikada nisu uhvatili, iako je policija istražila nekih 17.000 tragova. Novi film Karima Oelhaja, Megalomaniac, počiva na premisi da je dotični za sobom ostavio potomstvo.

Megalomaniac je već na svojoj premijeri proše godine na montrealskom žanrovskom festivalu Fantasia osvojio nagradu, a svojoj kolekciji je upravo dodao i onu s Grossmannovog festivala fantastičnog filma i vina u Ljutomeru, u Sloveniji. Iako Grossmann po pravilu forsira „čiste“ žanrovske filmove, Megalomaniac je zapravo bliži hibridu žanrovskog i „arthouse“ pristupa, dok autor Ouelhaj i sam ima „kilometražu“ na regularnih festivalima sa svojim filmovima „art“ izraza u kojima se uglavnom bavio temom nasilja nad ženama. Megalomaniac je, dakle, jedan vrlo specifičan, slojevit i jedinstven film koji autorovu karijeru vodi u pravcu žanrovskog filma.

Felix (Ramon) i Martha (Schumacher) su brat i sestra koji žive u velikoj, nekada raskošnoj, a sada prilično propaloj vili. Njihovo poreklo nije nigde eksplicitno navedeno, ali aludira se da je njihov otac bio serijski ubica opisan na uvodnim karticama i da se oni zbog toga kriju. Felix je „nasledio“ i očev „zanat“, pa čak i „modus operandi“, pa noću izlazi iz kuće, traži žrtve, ubija ih i raskomadane ostavlja uz cestu. Čini se da je on gazda u kući koji svoju sestru ograničava i po pitanju hrane i po pitanju kretanja.

Martha je, s druge strane, njemu potčinjena i prinuđena da radi u fabrici nejasne namere kao čistačica. Na poslu ona trpi zlostavljanje i silovanje od strane dvojice očito poremećenih radnika, dok njihov šef, iako te postupke ne odobrava, nema hrabrosti da ih spreči. Svoje slobodno vreme, pak, ona provodi na mobilnom telefonu u „sex chat“ konverzacijama gde se predstavlja kao zavodnica, iako je zapravo fizički neprivlačna, za razliku od svog brata, pa i od kuće koja je makar impozanta, lepa ruina. Tri stvari će pokrenuti raspad: Marthina trudnoća, dolazak nove socijalne radnice (Bruneau) koja se bavi Marthinim slučajem (nikad ne saznajemo o čemu se tu tačno radi) i Felixov gest „dobre volje“ da jednu od svojih planiranih žrtava bar na neko vreme zatoči u kući, za zabavu sebi, a još više sestri.

Ako postavljamo pitanje o čemu se tu zapravo radi i šta to zapravo znači u ovom dugom, mučnom i sporovoznom filmu, moramo biti svesni da postavljamo pograšno pitanje, jer Megalomaniac nije film koji se može tumačiti u samo jednom ključu. Sa jedne strane, to može biti komentar na Belgiju, njenu slavnu prošlost jedne od prvih veštački stvorenih multietničkih država, onu ne tako slavnu, kolonijalnu, koja joj je donela bogatstvo i stabilnost, ili na sadašnjost dekadencije materijalne i moralne. Dekadencija kao takva nije nužno belgijska stvar, zapravo se proširila po svetu, po visoko i srednje razvijenim delovima istog, a opet je možemo gledati i kao stvar opšteljudsku, što će mizantropima poslužiti kao potvrda stavova, dok će blagonakloniji u tome videti tragediju gde žrtva može lako postati mučitelj ako joj se pruži prilika i gde zapravo nema nevinih, a i ako nam se čini da bi neko to i mogao biti, to samo znači da ne znamo njegovu prošlost, ali je zato budućnost brutalne smrti izvesna.

Mnogo je važnije kako Ouelhaj kreira i slaže taj svoj eklektični svet, a tu imamo retku kombinaciju dojmljivih užasa. Zapravo, imamo dva sveta, naturalistički sivo obojeni spoljni uglavnom centriran oko fabrike u kojoj Martha radi, ali s izletima na završetke Felixovih pohoda koji se odvijaju u maglovitim i kišnim jutrima. Tu je užas jasan i opipljiv. Drugi svet je sama vila koja deluje kao komad izuzetno mračne fantazije gde su granice jave i košmara zamućene kao u retko kojem filmu. Pritom je scenografija po pitanju iste vrlo maštovita, škrto osvetljenje govori više nego što bi reči ikada mogle, a fotografija koju potpisuje Francois Schmitt je zaista impozantna, dok Karim Ouelhaj to sve komponuje u skladnu celinu.

Isto se može reći i za izbor glumaca, uglavnom iz redova produktivnih, ali manje poznatih belgijskih epizodista čija limitirana prepoznatljivost daje određeni obol autentičnosti koji obično možemo dobiti samo od naturščika. Pravo otkriće filma je Eline Schumacher koja i ima najkompleksniji i najoriginalniji lik, a igra ga apsolutno samouvereno. Ouelhaj se iskazao i u vođenju, kako nje, tako i ostatka ansambla, pa uparen s jedinstvenim vizuelnim stilom, obiljem kompleksnih tema podeljenih po osama u dihotomije, Megalomaniac ostaje jedinstveno gledalačko iskustvo koje se po potrebi može i ponavljati.


30.6.23

Lista - Jun 2023.

 


ukupno pogledano: 38 (svi dugometražni)
prvi put pogledano: 33
najbolji utisak (prvi put pogledano): Reality
najlošiji utisak: Beau Is Afraid


kritike objavljene na webu su aktivni linkovi

datum izvor Naslov na engleskom / Originalni naslov (Reditelj, godina) -  ocena /10

01.06. video Influencer (Kurtis David Harder, 2022) - 7/10
02.06. festival Pearl (Ti West, 2022) - 8/10
05.06. kino Hypnotic (Robert Rodriguez, 2023) - 4/10
05.06. video Summering (James Ponsoldt, 2022) - 5/10
06.06. video Enys Men (Mark Jenkin, 2022) - 8/10
06.06. video Windfall (Charlie McDowell, 2022) - 5/10
07.06. video Creed III (Michael B. Jordan, 2023) - 5/10
07.06. video Scream VI (Matt Bettinelli-Olpin, Tyler Gillett, 2023) - 6/10
08.06. festival Ciné-Guerrillas: Scenes from the Labudović Reels / Dosije Labudović: Filmska gerila (Mila Turajlić, 2022) - 7/10
08.06. festival Non-Aligned: Scenes from the Labudović Reels / Dosije Labudović: Nesvrstani (Mila Turajlić, 2022) - 7/10
09.06. festival Spring in Between / Hazama ni ikiru, haru (Rika Katsu, 2022) - 6/10
09.06. festival Lonely Castle in the Mirror / Kagami no kojo (Leiichi Hara, 2022) - 6/10
12.06. festival To the Supreme! / Motto Choetsu Shita Tokoroe (Santa Yamagishi, 2022) - 5/10
12.06. video Tetris (Jon S. Baird, 2023) - 7/10
13.06. video Master Gardener (Paul Schrader, 2022) - 7/10
*14.06. video The Act of Killing (Joshua Oppenheimer & associates, 2014) - 9/10
15.06. festival Crows Are White (Ahsen Nadeem, 2022) - 8/10
15.06. kino The Boogeyman (Rob Savage, 2023) - 4/10
16.06. video Breaking (Abi Damaris Corbin, 2022) - 7/10
17.06. video The Son (Florian Zeller, 2022) - 5/10
17.06. kino Beau Is Afraid (Ari Aster, 2023) - 3/10
*18.06. video The Woodcutter Story / Metsurin tarina (Mikko Myllylahti, 2022) - 7/10
19.06. festival Riffs of Revolution (Jurica Hižak, 2023) - 5/10
*19.06. festival Die Hard (John McTiernan, 1988) - 8/10
20.06. video Padre Pio (Abel Ferrara, 2022) - 5/10
20.06. festival The Redeemers / Lunastajat (Niko Kelkka, Miro Laiho, 2022) - 7/10
20.06. festival eVil Sublet (Allan Piper, 2023) - 4/10
*20.06. festival The Hunt for Red October (John McTiernan, 1990) - 8/10
21.06. festival Unicorn Wars (Alberto Vázquez, 2022) - 7/10
21.06. festival Bloody Bridget (Richard Elfman, 2023) - 8/10
22.06. video Reality (Tina Satter, 2023) - 9/10
23.06. festival El Shatt - A Blueprint for Utopia / El Shatt - Nacrt za utopiju (Ivan Ramljak, 2023) - 7/10
23.06. festival Evil Eye / Mal de ojo (Isaac Ezban, 2022) - 6/10
*23.06 festival Predator (John McTiernan, 1987) - 7/10
26.06. festival Megalomaniac (Karim Ouelhaj, 2022) - 8/10
28.06. festival Wolfkin / Kommunioun (Jacques Molitor, 2022) - 7/10
29.06. video Are You There God? It's Me, Margaret (Kelly Fremon Craig, 2023) - 7/10
29.06. video Showing Up (Kelly Reichardt, 2022) - 8/10

29.6.23

Reality

 kritika objavljena u dodatku Objektiv dnevnog lista Pobjeda


Roditelji ponekad imaju megalomanske ambicije kada daju imena svojoj deci, ali ih život itekako zna demantovati. Uzmimo za primer jednu mladu damu, Rijaliti Viner, čije bi se ime moglo prevesti kao „Pobednica Stvarnosti“. U stvarnosti, pak, ona nije pobedila, iako je jedno vreme bila na putu da to učini (šta god ta pobeda podrazumevala), već je završila u zatvoru osuđena na rekordnu kaznu od preko pet godina za svoj prestup.

Rijaliti Viner je bila pilotkinja u američkom ratnom vazduhoplovstvu, a kasnije obaveštajka s pristupom vrlo tajnim dokumentima, lingvistkinja i prevoditeljka s paštunskog, farsi i dari jezika, što se ispostavilo kao vrlo korisna veština za Nacionalnu Sigurnosnu Agenciju (NSA), gde je Rijaliti radila kao „ugovorac“. Iako joj je primarni zadatak na poslu bio praćenje aktivnosti u Iranu, koristila je svoj pristup tajnim dokumentima da dođe do dokumenta koji potvrđuje uspešne ruske hakerske napade na američke biračke spiskove uoči predsedničkih izbora 2016. godine, iako ne i direktni uticaj na birački proces i Trampovu pobedu, te da taj dokument pošalje portalu Intercept za objavu. Zbog toga je uhapšena od strane FBI-ja, osuđena na zatvorsku kaznu i konačno puštena ranije zbog dobrog vladanja 2021. godine. Sve to, a uz to još i takmičenje visokog nivoa u krosfitu, status instruktora joge i aktivizam na pomaganju kako ljudima, tako i životinjama, Rijaliti Viner je postigla pre navršene 30. godine života.

Dramska spisateljica i pozorišna režiserka Tina Sater je priču o Rijalitinom hapšenju pretočila u svoju prvo of-Brodvej, a onda i brodvejsku predstavu Is This a Room koja je požnjela određene uspehe. Ceo tekst predstave činio je verbatim transkript tog događaja koji su agenti tonski snimili u celini. Sada je Tina Sater, inače bez ikakvog prethodnog iskustva s filmom kao medijem, svoju dramu i predstavu prvo pretočila u filmski scenario (uz pomoć Džejmsa Pola Dalasa), a onda i u formalno hrabar i inovativan film u produkciji i distribuciji HBO-a i to baš u trenutku kada je Donald Tramp ponovo u centru interesa javnosti, što zbog svoje nove predsedničke kampanje, što zbog federalne optužnice koja je protiv njega konačno podignuta.

Za početak, film Reality se ne razlikuje puno od predstave. Lokacije su ograničene praktično na tri, travnjak ispred Realitine kuće u gradu Augusta u saveznoj državi Džordžija, jednu praznu, nenameštenu i zbog toga solidno jezivu sobu u samoj kući i Realitinu kancelariju na poslu, sto u njoj, kompjuter na njemu i televizor s kojeg trešti Fox News iznad njega. Poslednju lokaciju vidimo samo u uvodnoj sceni koja je isprekidana tekstualnim karticama koje objašnjavaju kontekst, te u nekolici „flešbekova“ koji ostaju kratki.

Dijalog je takođe (skoro) kompletno preuzet iz stenogramske beleške načinjene po snimku, sa sve „didaskalijama“ zastajkivanja i zamuckivanja. Da bismo bili svesni te činjenice, autorica će nas na to podsetiti bilo puštanjem originalnog zvučnog zapisa (uz grafički prikaz istog), bilo prikazivanjem otkucanog i odštampanog zapisnika, od spiska „lica“ na njemu nadalje. Cenzurisani delovi u snimku i zapisniku ostaju cenzurisani i u filmu na način koji je posebna priča o kojoj će biti reči kasnije.

Struktura filma bi se najbolje opisala kao dvočinka, s nekoliko iskliznuća i digresija u oba čina. Jednog letnjeg popodneva, Rijaliti (Sidni Svini) se svojim terencem vraća iz kupovine, ali je pred njenom kućom sačekuju dvojica federalnih agenata u civilu. Stariji, Gerik (Džoš Hamilton) deluje nekako hinjeno prijateljski i zbunjeno, dok mlađi Tejlor (Marsant Dejvis) deluje distancirano i spremno na reakciju. Oni su tu, kažu, došli samo nešto da razjasne, imaju nalog za pretres kuće, automobila, komunikacijskih uređaja i same Rijaliti, ona ima pravo na tišinu i advokata, ali bi to značilo da ima nešto da krije, pa je njihov „prijateljski“ savet da bi bilo bolje da sarađuje s njima, što ona i čini.

Prvo pitanje je, logično, je li naoružana, što ona jeste, i to „do zuba“, s jednom automatskom puškom, jednom sačmaricom i pištoljem. Drugo pitanje je ima li ljubimce, i ima psa i mačku koji se boje ljudskog, naročito muškog prisustva, pa je njena prva (i jedina) želja da ih zbrine da joj ne pobegnu dok traje saslušanje i pretres. Treće pitanje je da li živi sama, i odgovor je potvrdan.

Na sva ova pitanja agenti i njihova pratnja koja će kasnije doći već znaju odgovore jer nisu tu slučajno i očito znaju svoj posao, dok se cela priča o mogućem nesporazumu od samog početka čini iskreno, jer Rijaliti se zaista ne uklapa u profil nekog Snoudena ili drugog profesionalnog špijuna spremnog da prebegne, a ni njen „zločin“ ipak nije takvog kalibra. I ona zna zašto su došli, mada se trudi da to sakrije, skrećući priču prema možda nekom propustu na poslu koji i tako i tako nije napravila, odnosno jeste jednom, ali davno, ali opomenuta je pa više takve stvari ne radi.

Tu onda kreće partija nadmudrivanja koja će se intenzivirati jednom kada konačno uđu u kuću i u sobu, a na kraju će ju gospođica Viner izgubiti, nahpre priznajući svoje blesave prakse i propustiće na poslu malo po malo, a onda se konačno otvarajući i priznajući sve, od svog čina do iskrene motivacije za njega. Ispostavlja se, očekivano, da su sitne kurtoazije, priče o krosfitu, jogi, ljubimcima i oružju, pa i one banalnije, o vremenu i namirnicama koje će se pokvariti bile samo taktika odugovlačenja s njene, a, uz pohvale njenim lingvističkim sposobnostima s njihove, samo taktika odobrovoljavanja i „hladnog kuvanja“.

Ključna reč tako, naročito u drugoj polovini filma, postaje „distorzija“, kako kao tema (jer tako imamo jedan naizgled savršeno ustrojeni mali, unutrašnji svet koji se krivi i ruši), tako i kao izražajno sredstvo, alat kojim se ta distorzija realnosti (eto tu još jedne igre rečima) predstavlja gledaocima. Naime, kada dođe do cenzurisanog dela, tako dobijamo utisak kao da se Rijaliti iz priče isključuje i ostaje u sobi ispražnjenoj od ljudi i zvuka, odnosno artikulisanih zvukova govora, okružena šumom. U jednoj sceni čak i vidimo njen utisak iz glave koji ne mora biti realan, ali zato nije ništa manje istinit: ona je, naime, sama žena, naoko krhka, okružena gomilom muškaraca koji njome mogu manipulirati i na to su spremni na različite načine.

Detaljnost psihološke slike Rijaliti, agenata koji samo obavljaju svoj posao i verovatno su iskreni u svojim namerama i cele te situacije jednostavno je fascinantna i plod je jedinstvene egzekucije, kako po komponentama, tako i u celini. Glumački, film je perfektan, a većina tereta pada na pleća Sidni Svini koja inače nije navikla na ovakve uloge lišene glamura. Ovde, pak, njena prirodna lepota dolazi do izražaja, kao i prirodnost u glumi osobe koja, do jedne značajne tačke u filmu, očito nešto glumi i sakriva, tako da se tu ne radi o naivnosti, koliko o iskrenosti u želji da se nešto promeni i tako doprinese kraju jednoj šaradi. Sve pohvale takođe zaslužuju snimatelj Pol Ji koji čini čuda s ograničenim i često ogoljenim lokacijama, montažerski dvojac Ron Dulin i Dženifer Vekijarelo koji teskobu filma čine koncentrovanom i kompaktnom u trajanju od nevelikih 82 minuta, kao i kompozitor Nejtan Mikaj čini elektronski dron u, čini se, stalnom krešendu savršeno odgovara filmu.

Upravo nedostatak formalnog filmskog obrazovanja i iskustva autorice Tine Sater ovde je ključan za razumevanje njenih stilskih i autorskih izbora. Njena hrabrost ovde ne poznaje inhibicije, što za rezultat ima doku-fikciju i doku-dramu koji čak ni ne dodiraju nijednu utabanu stazu žanrovskih hibrida, već kreiraju nešto sasvim svoje, i tako bivaju u sjajnoj korespodenciji i kontradikciji sa svetom u kojem se već ustalila praksa osporavanja istine. Sa druge strane, ta radikalna hrabrost dovodi i do nekih prilično nepotrebnih grešaka, odnosno nepoštovanja dobrih dramaturških praksi, na primer u insistiranju na ponavljanju audio-snimaka i printa izveštaja u čemu kao da gledalac ne dobija dovoljno poštovanja vlastitog intelekta.

Ali, i pored toga, Reality je jedan od ranih kandidata za film godine. Malo li je za jednu adaptaciju predstave i jedan bazično TV film?


27.6.23

Padre Pio

 kritika objavljena na XXZ



2022

Režija: Abel Ferrara

Scenario: Maurizio Braucci, Abel Ferrara

Uloge: Shia LaBeouf, Cristina Chiriac, Asia Argento, Marco Leonardi, Salvatore Ruocco, Vicenzo Crea, Luca Lionello, Brando Pacitto, Federico Majorana, Staella Mastrantonio

 

Padre Pio bio je italijanski sveštenik iz XX veka, posvećeni duhovnik, kapucinski fratar, stigmat, navodni čudotvorac, konezrvativni teolog i, iz svoje perspektive, čest komentator društvenih zbivanja. Nekoliko decenija nakon svoje smrti, bio je proglašen prvo blaženikom, pa onda i svecem. Religijske teme svakako nisu strane američkom reditelju Abelu Ferrari, poslednjih desetak godina stalno nastanjenom u Italiji, pa nekako deluje i logično da baš on snimi biografski film o jednom od retkih zvaničnih svetaca novijeg datuma, posebno ako će ga dovesti u zanimljive istorijske kontekste u kojima je dotični na obitavao za vreme svog zemaljskog života.

Štos je, međutim, što je Padre Pio sve samo ne klasičan biografski film, već više funkcioniše kao filozofska rasprava ili možda pre meditacija o katolicizmu i socijalizmu, njihovim međusobnim preklapanjima i oštrim razlikama, kako u propovedanju, tako i u praksi. Ideja je svakako ambiciozna (Ferrari ni ti atipični, suženi biografski filmovi nisu strani, pa tako imamo, na primer, uradak Pasolini), ali moramo se zapitati koliko je zapravo izvediva imajući na umu da Ferrara svakako nije na svom kreativnom vrhuncu, što pokušava nadoknaditi hiperaktivnošću, snimajući po jedan najčešće niskobudžetni film godišnje.

Radnja je smeštena u epilog Prvog svetskog rata kada se Italija morala suočiti i sa bremenom pobednika i sa traumama onih koji su preživeli klanicu na Krasu. Oba se ogledaju i na prvim demokratskim izborima s opštim pravom glasa, a, kako to obično biva, događaje tog tipa različite klase i društveni krugovi koriste da bi ostvarile svoje interese, konzervativci i posednici da bi sačuvali „status quo“, a socijalisti da bi pokušali da izgrade novo, pravednije uređeno društvo. I jedni i drugi se zapravo najviše bore za glasove brojne sirotinje, proleterijata i nadničara koji se tako nalaze u procepu. Socijalisti apeluju na njihov razum, konzervativci, pak na dužnost i iracionalni strah.

Gde je u svemu tome Pio, inače kasnije prominentna politička ličnost koja se okretala od simpatija prema Mussoliniju do otvorenog suprotstavljanja istom? On je u svom samostanu gde se bori sa svojim, a ponekad i sa tuđim demonima. Sa svojim jer se izvukao od vojne službe, a sa tuđim na ispovedima. U politiku se zapravo ne meša, iako slutimo da simpatiše socijaliste i kao karitativac i kao čovek skromnih, seljačkih korena. A tako blizu, a tako daleko od njegovih očiju dešavaju se prebijanja nepodobnih, mešanje u izborni proces i prekrajanje volje glasača.

Kada bi Ferrara i ko-scenarista mu Maurizio Braucci te dve teme i te dve priče supstancijalnije povezali, možda bi rezultat toga bio i dobar film, ali oni zapravo jedva i da se trude da maskiraju džumbus i salatu od „nedokuvanih“ ideja, filozofskih, a još više izvedbenih. Tako kao simulaciju vezivnog tkiva imamo Piove unutrašnje monologe i dijaloge s utvarama koje ga proganjaju, dok nam ostaje nejasno, na primer, zašto uglavnom italijanska glumačka postava igra što na lošem, što na „nahovanom“ engleskom i zašto su dvema ženama, autorovoj supruzi i Asiji Argento, dodeljene muške kameo-uloge van glavnog toka radnje, ako radnja uopšte i ima neki jasan tok. A možda sve to ima smisla tek na nekom meta-nivou, kao i dubiozni izbor glavnog glumca, antipatičnog i problematičnog LaBeoufa za ulogu harizmatičnog sveštenika.

Istina je da Ferrara nije iskomunicirao ono što je želeo, a da možda ni sam nije bio siguran šta bi želeo da iskomunicira. Pritom, zahvaljujući poigravanju s osvetljenjem i kompozicijom kadra u nekim scenama, kao i eklektičnom upotrebom raznorodne muzike koja više slika raspoloženje nego vreme i mesto, Padre Pio nije njegov najlošiji recentni film, iako je, kao i većina prethodnih, razočaravajući. Čini se da se Ferrari smeši sudbina izopštenika koja je zadesila Briana De Palmu, bez šansi za povratak koji je izveo Paul Schrader, kad već nije kao Martin Scorsese uspeo da se održi u najvišoj ligi gde se tolerišu i povremeni blagi promašaji.


25.6.23

A Film a Week - To the Supreme! / Motto chouetsu shita tokoroe

 previously published on Asian Movie Pulse


Coupling is difficult and relationships are difficult. That would be the basic premise of pretty much any romantic comedy or drama ever. Santa Yamagishi’s second feature To the Supreme!, based on a stage play by Shuko Nemoto, is not different in that department, as we get to see four couples or almost couples struggling with their love life on almost day-to-day basis in two different timelines. The film plays at the 2023 Nippon Connection.

Atsuko Maeda plays the nerdy costume designer Machiko who starts a relationship with her high school friend Reito (Fuma Kikuchi) who presents himself as an influencer, but is actually a parasite. Former child actress Suzu (Shuri) lives with her gay roommate Tommy (Yudai Chiba) after giving up hope to return to her job and harbours certain feelings for him which he prefers not to notice. Miwa (Marika Ito) is a freelancer whose pregnancy scare turns to be cancer, while her otherwise loudmouth boyfriend Taizo (Reiji Okamoto) keeps silent about paying his part of the rent and tries to dodge any responsibility whatsoever. Finally, we have a sex worker Nanase (Mei Kurokawa) and her steady client, also a child actor Shintaro (Takahiro Miura) who is now relegated to working as an extra on sets, which is a blow to his ego.

After the exposition set in the early-pandemic time of March 2020, the plot jumps two years backwards. We still have the same eight people, but they are coupled differently. We might have sensed it from the previous dialogues, but here it goes. Machiko and Tommy are roommates, and she hopes for more. Two former child actors Suzu and Shintaro live together and struggle to relive their careers. Reito parasites of Miwa and at Miwa’s, while Taizo got Nanase pregnant and urges her to have an abortion, albeit she does not want any commitment of him. Long story short, the women are doing their best while men are useless at best and abusive at worst: patriarchal, parasitic, ego maniacs or irresponsible selfish pricks. The plot keeps jumping back and forth between the two timelines all the way to the unearned, fantastic (happy) ending.

The dialogues as the driving force clearly signal the stage origins of the film. It could be also observed from the fact that it is predominantly set indoors, in four apartments that might as well be integral parts of the same studio, which also might be a give-away that To the Supreme! is an example of Covid-times filming. The pandemic also makes up for a minor plot-point in the film.

Working with a script that is a bit on the clever side, especially by the way it weaves the hints into the dialogue fabric, Santa Yamagishi proves to be a serviceable as a director who can forge a comprehensible language by opting for static takes for as long as it takes (until being forced to introduce reverse shots), as well as opting for predictable, yet still effective editing tricks of matching the end of a scene with the opening of the next with the shots composed the same way. The camerawork by the cinematographer Yuki Nakamura is also decent, although the lighting contrasts can sometimes be too striking.

It all works nicely in the first half of the film, until the stakes are risen to prove a point. The biggest victim of it is acting: as the anticipated climax approaches, its expressiveness tends to get a bit over the top. It is not the ensemble’s fault, mind you, as the actors have already proved that they can play their roles in a controlled way in the earlier, calmer scenes, but Yamagishi’s, since his instructions are not as precise and measured later on.

In the end, To the Supreme! lands in the realm of mediocre, although it showed some potential to be better. Not exactly revolutionary in the terms of genre of romantic drama, but still...


24.6.23

Beau Is Afraid

 kritika pročitana u emisiji Filmoskop na HR3


U sportskom, najčešće nogometnom vokabularu postoji jedna suptilna, ali svrsishodna uvreda. Nazvati nekoga vječitim talentom znači ujedno nazvati ga i neodraslim, nedoraslim i nezrelim igračem. Talent je ipak nešto što se samo kod mladih i nadolazećih gleda kao nešto presudno, dok su zreliji igrači na njemu već uspjeli sagraditi nešto: ubojitu završnicu, koncentriranu obranu, pregled i organizaciju igre, liderske sposobnosti ili već nešto drugo ključno za igru i timski duh. U svijetu filma, posebno onog „uzdignutog” (engleski „elevated”) žanrovskog, čini se da je Ari Aster slika i prilika vječitog talenta. Njega je demonstrirao na samom početku svoje autorske karijere u kratkom metru. Vidjela se u njima ideja, kako općenita u smislu koncepta, tako i ona konkretizirana u izvedbi, pa se od Astera puno očekivalo i na „velikoj pozornici”, odnosno u dugometražnom formatu. Nakon već tri filma nastala u vrlo ozbiljnim produkcijskim uvjetima, Aster je, međutim, tek malo dodatno podgrijao očekivanja i potvrdio svoj status talenta. Ali nije izrastao u snažnog i konzistentnog autora sposobnog od početka do kraja provesti svoju ideju (ili više njih) i zapakirati ih u zaokruženi dugometražni film. Pritom je i sam termin „dugometražni” sva tri puta zlorabio, pakirajući filmove dva puta u format od dva i pol, i sada u format od tri sata.

Problem s dugometražnim prvijencem Naslijeđeno zlo bio je taj da ga Aster nije završio onako kako ga je započeo. Odnosno gustu je atmosferu problema unutar obitelji koja se nosi s tugom i pod njenim teretom raspada, na koncu okrenuo prema tipskom, čak i banalnom rješenju iz toliko drugih horor-filmova. Time je ostavio utisak da je film završio pod pritiskom, i da svoje izvorne ideje nije uspio nikako drugačije povezati. Opet, na zanatskom nivou, bilo je tu izuzetnih rješenja u pojedinim kadrovima, scenama i sekvencama koje su zaista bile maestralno izvedene, pa smo opravdanje za konačni neuspjeh filma mogli pronaći i u teškoj tranziciji s kratkog na dugi metar. I drugi Asterov dugometražni film, Midsommar, u nas preveden kao Festival straha,na kraju je ispao nekonzistentan i problematičan, s banalnom poantom na kraju. Tematski, dva su filma tek ovlaš tematski povezana, pa tako umjesto obitelji imamo vezu koja se raspada, grupu prijatelja na koju to utječe i specifičnu skandinavsku neopogansku komunu u kojoj su se prijatelji zatekli za proslavu najdužeg ljetnog polarnog dana. Odatle Aster dalje gradi poantu u smjeru sukoba između spolova, odnosno rodova. Glavni problem u koji je autor upao sa svojim drugim filmom bio je, pak, taj kojem se „privoljeti carstvu”, odnosno na koji efekt ići, cerebralni ili visceralni. Dok je kulminacija visceralnog smještena negdje na trećini filma, sa šokantnim ritualnim samoubojstvom starijeg para iz komune, Aster do konca ne odustaje od pokušaja da taj šok nadmaši; pritom polako uvodi cerebralni pristup koji cilja na pseudofilozofske poante i koji mu čak ovom prilikom bolje ide. Konačno, Midsommar je završio kao nešto bolji film od Naslijeđenog zla, ali tek minimalno.

Pred sobom sada imamo treći film Arija Astera, Beau se boji, koji, pak, ne sliči nijednom od dugometražnih prethodnika. Razlog može biti i to da je ovdje riječ o ekspanziji (i to vrlo izdašnoj) autorovog kratkometražnog uratka Beau iz 2011. godine. Bilo kako bilo, Beau se boji je, kao surealna horor-dramedija s psihoanalitičkom potkom, film u potpuno drugačijem žanrovskom okviru od svojih prethodnika. Dok su dva prethodna filma bila uglavnom sporovozna, Beau se boji je, naprotiv, „zauzet” i natrpan, pa čak i u trajanju od tri sata teško možemo uhvatiti predah. U njemu je čak upitna i Asterova originalnost, budući da se oslanja na općepoznate, banalne i potrošene ideje, na rješenja koja su isprobali brojni autori prije njega. Konačni je rezultat takav da se samo možemo upitati za razloge postojanja ovakvog filma; uostalom, i sam ga je njegov autor usporedio s odlaskom u trgovinu pod utjecajem jakih halucinogenih droga.

Naslovni junak Beau (igra ga Joaquin Phoenix) sredovječan je čovjek koji se boji. On se boji svega: drugih ljudi, samog sebe, svojih anksioza, ruiniranog i opasnog mjesta u kojem živi, a najviše svoje dominantne majke. S novom zalihom novog lijeka prepisanog od psihijatra, te nakon neprospavane noći, on se upućuje baš njoj u unaprijed zakazani posjet. Već na samom početku stvari krenu po zlu: dok se Beau vraća po zaboravljeni predmet, ispred stana mu netko ukrade kofer i ključeve od stana, čime osujeti njegov plan. Slijedi rasprava s majkom preko telefona, odlazak do trgovine po bočicu vode koji rezultira invazijom propalica na njegov otključani stan, povratak u stan i saznanje da je majka nesretnim slučajem nastradala (na nju je pao luster i otkinuo joj glavu). Slijedi još jedan panični izlazak iz kuće, susret s naoružanim manijakom i prometna nezgoda u kojoj na Beaua nalijeće dostavni kamionet. Ovako hektičan i na momente, dakle od kadra do kadra i od scene do scene, maestralno izveden, ovo je tek uvodni i vjerojatno najrealističniji čin filma od nekoliko njih koji će uslijediti na Beauovoj odiseji.

U drugom činu, Beau je na brizi kod konzervativnog i pristojnog sredovječnog bračnog para. Ona, Grace (Amy Ryan), domaćica je osposobljena za posao medicinske sestre, a on, Roger (Nathan Lane), radi kao kirurg u bolnici. Njih dvoje žaluju za svojim sinom koji je poginuo kao vojnik, i to do mjere da njegovom sasvim poludjelom ratnom drugu Jeevesu (francuski glumac Denis Ménochet) pružaju krov nad glavom. Najveća opasnost, čini se, prijeti od Toni, kćeri-tinejdžerice bračnog para koja ima destruktivne i autodestruktivne porive koji mogu, a ne moraju biti očajnički pokušaji zadobivanja roditeljske pozornosti. Nenametljivi Beau samo želi da ga netko od njih odveze do majčinog doma, što se zbog njegovog oporavka i nepredviđenih problema u kući odlaže. Za to vrijeme u „flashback” sekvencama, smještenima u njegove snove, saznajemo ponešto o njegovom ranijem životu. O prirodi odnosa s majkom, odsustvu oca (koji je, navodno, preminuo tokom ejakulacije kojom je Beau začet, što objašnjava Beauove strahove od intimnosti), te o epizodi na krstarenju u kojoj je kao dječak upoznao djevojku Elaine, jedinu osobu prema kojoj je osjetio privlačnost. Kada se situacija okrene na njegovu štetu, Beau mora bježati u šumu gdje upoznaje grupu nomada zvanih Siročad šume, koji se sele od jednog nedostupnog mjesta do drugog, organizirajući kazališnu predstavu za kraj svakog boravka, što predstavlja treći čin filma. Četvrti, kada se Beau konačno domogne doma u kojem je odrastao, podijeljen je u dva dijela. Prvi od njih obilježen je ponovnim susretom s Elaine (kao odraslu glumi je Parker Posey) nakon majčine sahrane, a drugi otkrićem da je majka Mona (u postarijoj dobi tumači je Patti LuPone) još uvijek živa, moćna (ranije smo saznali da je uspješna poslovna žena diktatorskih manira) i jako ljuta na svoga sina. Pritom se ispostavlja da Beau ima i brata blizanca, prigodno zaključanog na tavanu, koji je ni manje ni više nego čudovište dobrog srca u tijelu divovskog penisa. Slijedi finale na suđenju našem protagonistu, u očigledno montiranom procesu u kojem mu se sudi za nedjela prema majci.

Vlastiti Asterov opis atmosfere filma uglavnom stoji: Beau se boji zaista djeluje kao besmisleni odlazak u trgovinu osobe koja je pomoću psihoaktivnih supstanci odvojena od realnosti, ali to svejedno ne opravdava njegovo postojanje. Ono na što Aster cilja u filmu nije pretjerano teško otkriti. Raspon ide od epidemije anksioznosti, preko socijalnih okolnosti koje su pomogle njenom izbijanju i neadekvatnog liječenja „eksperimentalnim” farmakološkim produktima, pa sve do psihoanalitičkih tropa odnosa odraslih, odnosno stvarno neodraslih, muškaraca s njihovim majkama; i, naravno, koncepta dominantne, zaštitničke i osvetoljubive židovske majke. Pri tome se Aster tu tek kači na vlak kojim su se, uglavnom u komičnom ključu, „vozili” drugi židovski filmaši prije njega. Čisto filmski gledano, primjetne su brojne reference na koje se autor poziva. Tu je nezaobilazni David Lynch kao „kum” modernog nadrealizma, ali još više William S. Borroughs i David Cronenberg s uratkom Goli ručak, kao i Hunter S. Thompson i Terry Gilliam s filmom Strah i gađenje u Las Vegasu, te kao začin braća Coen i njihovo postmoderno čitanje Homerove Odiseje s naslovom Tko je ovdje lud? Problem sa svime time je što Aster može imitirati njihove postupke i dodati ponešto svojih ideja na užem planu „set piece”-a, ali ne i spojiti ih u konzistentnu i koherentnu igranofilmsku cjelinu. Tu ne pomažu mnogo ni uhodane suradnje s članovima ekipe, iako direktor fotografije Pawel Pogorzelski može realizirati skoro svaku Asterovu zamisao, a montažer Lucian Johnston održati kakav-takav ritam u ovom nepredvidljivom kaosu, dok skladatelj Bobby Krlic pokušava diktirati emocionalni ton gledateljima. Glumci su, pak, prepušteni svojim solo-točkama koje izvode uglavnom neovisno jedni od drugih, i koje su uglavnom karikaturalne. U većini slučajeva imaju problem da te svoje jednodimenzionalne karikature održe zanimljivima na duže staze. Stoga se može reći da Aster nije do kraja iskoristio talente i vještine Amy Ryan, Nathana Lanea i Parker Posey, dok se veteranka Patti LuPone ipak nešto bolje drži, ali nedovoljno za nekakav karijerni „restart”. Sve uglavnom ovisi o Joaquinu Phoenixu koji je doista glumac širokog raspona, ali Beau nije toliko širok i kompleksan lik, pa ga Phoenix igra kao kompozit Jokera iz prve polovice filma Todda Phillipsa i nekog od kukavnijih likova koje je u posljednjih desetak godina odigrao. Primjerice profesora Abea Lucasa iz filma Iracionalni čovjek Woodyja Allena ili Theodorea iz filma Ona Spikea Jonzeja, ali bez nekog unutarnjeg „ludila” kakvo je imao, recimo kao Doc Sportello iz filma Skrivena mana Paula Thomasa Andersona. Kao Beau koji se boji, čak i versatilan glumac kao što je Phoenix ima problema pogoditi ton; stoga se stalno giba između preglumljivanja i podglumljivanja. Ali prvenstveni je problem što nekog konzistentnog tona i nema, što nije njegova, nego autorova greška. Na koncu, Beau se boji vjerojatno bi bolje funkcionirao u nekom drugom formatu od iznurujuće predugog dugometražnog filma. Možda kao kakva interaktivna video-igra koja bi automatski napravila vezu između materijala i recipijenta.


23.6.23

The Boogeyman

 kritika objavljena u dodatku Objektiv dnevnog lista Pobjeda


Bome je Stiven King svašta napisao, a i svakakvi su ga adaptirali, s različitm uspehom. Generalno pravilo je da za uspešnu adaptaciju Kingovih priča i romana treba biti Autor (s velikim A), neko sa idejom i mogućnošću da ih izmeni, skrati, proširi, produbi, izokrene na ovo ili na ono. Ne da King sam po sebi ne piše filmično, ali svejedno... U slučaju najnovije adaptacije kratke priče The Boogeyman iz pera dvojca Skot Bek – Brajan Vuds (A Quiet Place) i Marka Hejmena (Black Swan), a u režiji Roba Sevidža (Host, Dashcam), elementarno ima i ideje i zanatske potkovanosti, ali zapravo nedostaje sinergije.

Prva dobra ideja je sam koncept adaptacije koji nije klasičan. Izvorna priča se, naime, cela odvija tokom psihoterapeutske seanse u kojoj otac ispoveda svoj osećaj krivice što mu je naslovni zlikovac ubio troje dece. To će se naći u filmu, pri početku, dok je ostatak filma zapravo nastavak te priče centriran oko psihijatra i njegovih kćeri koje će dotični početi pohoditi.

Druga dobra ideja je izvrtanje osnovnog koncepta Bugimena koji u anglosaksonskoj kulturi služi kao „strašilo“ za decu kada se ne ponašaju kako treba. (Kod nas na Balkanu tu ulogu igra Babaroga, što govori ponešto o inherentnoj mizoginiji ovih prostora.) U Sevidžovom filmu, kako kaže mučeni otac Lester (Dejvid Dastmalkijan), Bugimen napada ranjive i ranjene porodice, a naročito decu, i to kad roditelji na njih ne paze na to šta im se dešava u unutrašnjim životima. Krivica, dakle, nije na deci, nego na roditeljima koji se ne bave dovoljno.

Trauma psihijatra Vilijama (Kris Mesina) i njegovih kćeri, tinejdžerke Sejdi (Sofi Tačer) i osnovnoškolke Sojer (Vivijen Lajra Bler) potiče od toga što su nekoliko meseci ranije izgubili suprugu, odnosno majku. Otac, iako terapeut po struci, odbija da o tome razgovara s kćerima, već ih šalje drugoj doktorki, pritom pokušavajući da stvari koliko-toliko vrati u normalu i rutinu. Ali mlađa Sojer se plaši mraka i čudovišta koja možda vrebaju pod krevetom i u plakaru, dok starija Sejdi upada u sukob sa školskim drugaricama i pritom se razilazi sa svojom najboljom (jedinom?) prijateljicom Betani.

Situacija u kojoj su biće kao naručena da im se u kuću useli Bugimen koji je ovde očito metafora, i to metafora za tugovanje, gubitak i nesposobnost nošenja s traumom. Situacija da je monstrum u hororu zapravo metafora za neki tip traume ili makar negativnog osećanja poput anksioze nije naročito nova, ni u literaturi (naročito kod Kinga), a ni u filmu. Već više od dvadeset godina svedočimo trendu „elevated“ horora, zapravo u osnovi drame o našim unutrašnjim životima i emocijama koje se mogu manifestovati užasima, stvarnim ili umišljenim.

Dok se Sevidž tih postulata drži koliko je to moguće, pa užas više sugeriše nego što ga pokazuje igrajući se najviše s osvetljenjem i dizajnom zvuka i ostavljajući mogućnost da je sve „u glavi“, i film se uglavnom drži iznad vode. Problem nije toliko što reditelj tu nije naročito originalan, iako je upravo taj kvalitet bio ono po čemu su njegov pandemijski „Zoom“-horor Host i paranoidna „found footage“ horor-komedija Dashcam istupali od konkurencije, koliko to što svoju publiku ne ceni dovoljno. Sevidž, naime, zaboravlja ili namerno briše celu tu noviju istoriju metaforičnog, „elevated“ horora zanemarujući činjenicu da je publika verovatno pogledala klasike žanra kao što su It Follows, Hereditary i naročito The Babadook.

Nije on tu jedini krivac. Scenaristički tim isto ima problema, pre svega s uspostavljanjem generalnog tona i ključa, pa onda i sa nešto sitnijim, a opet jednako važnim stvarima kao što su tretman likova i izgradnja situacija. Primera radi, i bez nedotupavnih dijaloških objašnjenja nam je jasno da je prvenstveni problem nedostatak iskrene komunikacije između oca i dece, a cela situacija u školi sa Sejdi i njenim drugaricama-mučiteljicama kriminalno je nerazrađena. Centralni problem je, pak, taj da trio ima neobjašnjivu potrebu da sve oko eluzivne, metaforične „muške Babaroge“ objasni direktno, pa tako uvodi lik pacijentove udovice (Malin Ajerlend, bezveze potrošena na karikaturalan lik) i tu ceo film počinje da se raspada.

Raspad se nastavlja i u Sevidžovoj režiji u kojoj on odustaje od onoga što mu je zapravo najbolje išlo, dakle od sugestije kroz suzdržanu glumu troje glavnih likova, kroz svetlo i kroz zvuk uglavnom bez muzike, i počinje da pokazuje stvari. Prvo, u formi prepada koji po pravilu nisu baš fino izgrađeni, a onda i u formi dužih „set-pis“ scena u kojima svog CGI-monstruma pokazuje i pokazuje u nedogled. Istini za volju, neke od tih scena užasa znaju biti efektne, naročito one ubačene ranije u filmu da razbiju „sporovoznu“ rutinu, znaju biti prilično efektne, ali kasnije one u potpunosti gube svrhu, pa Sevidžov prvi konvencionalni horor postaje naporno, predvidljivo i uglavnom bespotrebno mučenje za publiku.